Jake Hess and the Imperials - It Is No Secret

Jake Hess

 Jake Hess nació el 24 diciembre de 1927 y murió el 4 enero del  2004) fue  ganador del premio Grammy al  cantante gospel sureño.

Hess nació en el condado de Limestone, Alabama. Más tarde, cuando se  registró en la junta de reclutamiento en Lincoln, Nebraska,  se identificó como "Jesse William Hess." 
En 1997, cuando Hess estaba preparando para obtener un pasaporte para viajar al extranjero, descubrió que su certificado de nacimiento se leía  Manchild Hess.

Su hijo, Jake Jr., a nombrado a su compañía de grabación Manchild Records en honor de su padre. 

Hess murió 04 de enero 2004 en Auburn, Alabama, después de sufrir un ataque al corazón el 14 de diciembre 2004, pocos días después de una actuación en Atlanta, Georgia.

La carrera de  Hess comenzó a la edad de 16 años, cuando se unió al popular John Daniel Quartet, haciendo su debut grabado en "Just a Prayer Away". Después de eso, cantó con tres de sus hermanos como los Hermanos Quartet Hess. 


También cantó con el Cuarteto del Sur Soleado y su rival, el Masters Cuarteto Melodía. En la última parte de su vida, Hess cantó con The Old Friends Quartet, que apareció en los vídeos de Bill Gaither Homecoming.

Hess cantó  con The  Statesmen Quartet desde 1948 hasta 1963. Sus grabaciones incluyen proyectos de Columbia Records y luego a largo plazo con RCA Victor. 

En 1977-1978 Hess se reunió con los miembros sobrevivientes de The Statesmen Quartet , Hovie Lister, Doy Ott, y Rosie Rozell para  grabar tres proyectos, incluyendo "Canciones que Elvis amó". Los miembros reunidos habían cantado en el funeral de Elvis. 

En el otoño de 1980, Hess, Lister, Rozell, se reunieron  con James Blackwood y JD Sumner, un grupo nuevo y como resultado, nació el grupo de gospel del sur  los Maestros V . Viajaron desde 1981 hasta 1988, cuando las enfermedades llevaron a varios de los miembros a retirarse del canto a tiempo completo.

Al salir de The  Statesmen Quartet  a finales de 1963, Hess formó el grupo de su  "sueño", The Imperials. Aunque no fueron inmediatamente aceptados por sus compañeros debido a su uso innovador de las guitarras eléctricas y la batería,  se convirtieron en pioneros en la música cristiana contemporánea, y que finalmente se instalaron en el Music Hall de la Fama del Evangelio.


 Apoyaron a Elvis Presley de 1966 a 1971. Elvis ha sido citado señalando a Hess como su cantante favorito. Hess dejó The Imperials  en 1967 debido a problemas de salud.

Hess también cantó con sus hijos, Becky y Chris, en un grupo que llamó "The Jake Hess Sound". A finales de 1970 Hess y su hijo Chris se presentaron como  cantantes en las emisiones de televisión evangelista del Dr. Gene Scott.

Jake Hess fue solista en su propio derecho. Ganó  varios premios Grammy en la RCA Victor como solista. En sus últimos 12 años, apareció en el Bill Gaither Homecoming en conciertos y videos. Estos vídeos destacaban a  Hess en  conciertos  en los EE.UU. en el Kennedy Center, el Auditorio Ryman, y las islas de Hawai y Europa.

Jake Hess, Jr. se ha convertido en un reconocido compositor gospel del sur, además de estar casado con Judy Martin de The Martins. En 1989 Jake sobrino Steve Hess y Eugene Baker (Hess & Baker, Skylite / Sing) estaban en Nashville para grabar varios segmentos de Bobby Jones Gospel (Red BET). 

Jake les acompañó al estudio y le gustó lo que escuchó. Durante la visita de Jake en Brentwood, Jake preguntó si estarían interesados ​​en formar con él una nueva versión de Jake Hess & Friends.

 El grupo finalmente constará de Jake, Steve, Eugene & Chris, el hijo de Jake. Comenzaron los ensayos en la sala de la familia de Jake y comenzaron  a viajar un año más tarde. Hubo varias fechas en Missouri y Florida, pero Jake determinó que los viajes iban a exigir más de lo que esperaba, por lo que en 1990 los viajes se suspendieron con la posibilidad de hacer algo en la televisión.

Nacho Vegas · Perplejidad

Nacho Vegas

Ignacio González Vegas, más conocido como Nacho Vegas es un cantautor español que estilísticamente oscila entre la música folk y el rock. Suele cantar en solitario o con el grupo La cuarta trama asturiana.

Nacho Vegas comenzó estudios de Filología Hispánica en la Universidad de Oviedo y formó parte de la primera hornada de la edad del indie español, de la mano de Eliminator Jr., banda local de influencias noise donde empezó a tocar en 1990. Nacho llegaría a la banda tras su formación, y grabaría con ellos el disco "Chandal", publicado en 1994 por Elefant Records. También fue miembro fundador de Manta Ray, formación que alcanzó reputación internacional a nivel de crítica gracias a un personal sonido y a su sólida puesta en escena.

A finales de la década de los noventa, Vegas abandonó el grupo para desarrollar una carrera en solitario que, por el momento, ha dado lugar a cuatro álbumes bajo su sello y multitud de cortes repartidos en recopilatorios, discos de colaboración, split-singles, mini-CD’s e incluso bandas sonoras como Verdá o consecuencia para la televisión asturiana. El proyecto Diariu, donde unió sus partituras a los versos del poeta Ramón Lluis Bande, y el EP compartido con Irene Tremblay (Aroah) Seis canciones desde el Norte, precedieron la aparición de su primer LP en solitario, Actos inexplicables (2001). El disco logró colocarse entre lo más destacado del año para la prensa especializada (por ejemplo: Mejor disco nacional para la prestigiosa revista Rockdelux), e incluso consiguió distribución internacional a escala independiente.
Después llegarían en 2002 el EP Miedo al zumbido de los mosquitos con 3 cortes inéditos, anticipo a los 20 temas del doble CD Cajas de música difíciles de parar publicado en 2003, con los que acabó por consolidar la figura de maldito que tanto le incomoda y le acompaña desde sus inicios (de la que él mismo se jactaba en el ya nombrado EP de 2002 con la frase "4 nuevas dramáticas canciones de Nacho Vegas") y de la que parece estar consiguiendo desprenderse con el paso del tiempo. Ese mismo año y siguiendo con su acelerado ritmo creativo publicaría de nuevo otro extenso EP titulado Canciones desde palacio.

En 2006 el doble CD El tiempo de las cerezas, disco que comparte con el aragonés Enrique Bunbury ex cantante de Héroes del Silencio y que le llevó a pisar por primera vez tierras aztecas, y en 2007 el mini-CD Verano fatal en el que colabora con la cantautora Christina Rosenvinge. En el disco se incluyen canciones escritas por ambos como la homónima "Verano fatal", "Humo", y "Me he perdido", otras escritas por Rosenvinge como "No lloro por ti", "Ayer te vi" y "No pierdes lo que das" y una más escrita por Vegas "Que nos parta un rayo" parafraseando en el título un disco anterior de Rosenvinge "Que me parta un rayo". A la publicación sigue una gira durante el 2007-08. Las alusiones de ambos en sus canciones a su relación sentimental serán a partir de ahí una constante en sus discos posteriores.

Durante buena parte del año 2008 Nacho se sumergió, junto a Xel Pereda en Lucas 15, un proyecto de música folk asturiana pasada por el filtro del rock. El grupo está formado por varios músicos asturianos de gran nivel, entre los que destacan el propio Nacho Vegas que canta 9 de los 11 temas del álbum, y sobre todo Xel Pereda, músico proveniente del folk y principal artífice de éste proyecto de adaptación del cancionero popular asturiano en clave de rock, y del que últimamente Nacho no ha prescindido en ninguno de sus proyectos, ni siquiera en los compartidos donde la banda resultante ha resultado ser principalmente una mixtura de músicos de sus correspondientes figuras mediáticas y creativas.
El 1 de diciembre de 2008 Nacho Vegas publicó "El manifiesto desastre", un long play con 11 temas grabados (más una canción extra) entre los meses de julio y agosto de ese mismo año de la mano del productor musical Paco Loco. En 2009 comenzó una nueva gira presentando "El manifiesto desastre" que dio comienzo en Valladolid el día 23 de enero. A finales del año se editó el álbum en formato doble LP.


El 5 de octubre de 2009 salió a la venta el EP El género bobo (Limbo Starr), que contenía cinco canciones inéditas y que contó con el diseño del pintor Luis Díez.

En octubre de 2010 anunció el cese de su relación con la discográfica Limbostarr, para enrolarse en su propio sello discográfico: Marxophone.

En febrero de 2011 se publica "La zona sucia". Un LP con 10 temas de los que se desprendió el sencillo "La gran broma final", que se estrenó en una versión acústica el 16 de enero de 2010 vía Youtube . Este disco se convirtió en uno de los más exitosos y mejor recibidos de su carrera por la campaña publicitaria y la gira internacional que lo acompañó, en la que Nacho Vegas recorrió España y México. Más tarde Nacho Vegas presentó este álbum en acústico en la cadena de radio española Radio 3.

El 26 de Octubre de 2011 editó el EP "Cómo hacer crac" . Un disco de corta duración conteniendo sobre todo temas de corte político y muy personal como "Cómo hacer crac", "Dos bandos" o "La fiesta". A este EP le siguió también una gira internacional en la que pisó nuevamente el continente americano, incluyendo México y Argentina.

Actualmente Nacho Vegas se encuentra trabajando en distintas colaboraciones con varios artistas de la escena indie española, no se ha anunciado nuevo material discográfico a corto plazo.

Como cantautor, se reconocen en Nacho Vegas las influencias de Will Oldham, Nick Cave, Leonard Cohen, Nick Drake, Bob Dylan, Tom Waits y Townes Van Zandt, entre otros. Explora las maneras intimistas de cantautor en su música, intensa pero huidiza; sus textos tienen un fuerte carácter autobiográfico, autorreferencial, es de algún modo post-modernista en cuanto a que recurre a referencias de discursos o elementos de otros músicos, cineastas, escritores. Si bien en el mayor cuerpo de sus temas canta a lugares, situaciones, personas y personajes existentes o inspirados en gente concreta, leyendas urbanas transformadas, etc.

Al aspecto rockero incorpora matices minimalistas, que pueden aproximarse tanto a la obra de Pascal Comelade como a los arreglos de Mastretta. La música de Vegas también recuerda a figuras del indie español como Fernando Alfaro –Chucho– e incluso por momentos, los más ruidistas, a Los Planetas. Pero principalmente su estilo es identificable con cantautores de folk moderno y rock, de los que ha reconocido extraer acordes, estribillos, pedazos de letras, etc, para componer sus temas.

Como en el caso de otros muchos artistas es posible encontrar numerosos bootlegs (grabaciones no oficiales de recitales) a través de la red, recogiendo recitales suyos desde el año 2001. Si bien la mayoría de las grabaciones están hechas con grabadores de escasa calidad incluso con teléfonos móviles, sobre todo los vídeos de sus conciertos. Los de mejor calidad sonora son grabaciones del audio de actuaciones para programas de radio y televisión tanto de España como de México.

Esteban Echeverría y Honore de Balzac

Esteban Echeverría

Es un poeta y prosista argentino considerado el introductor del Romanticismo en Río de la Plata.
Nació en 1805 y murió en 1851.

foto

Sus obras más conocidas son:

- Consuelos ( poema)
- Elvira o la novia del Plata ( poema)
- La cautiva ( poema)
- Dogma socialista ( escrito político)
- El matadero ( cuento realista)

El matadero 


En esta obra podemos ver el exotismo. Exotismo en el paisaje, en lo político-liberal, en lo sentimental y en lo geográfico. Es un cuento corto. Síntesis del romanticismo, realismo, naturalismo. Describe caracteres típicos sin adornos y circunstancias típicas. Describe la realidad que se rechaza.

Honore de Balzac

Es un novelista francés  que nació en 1799 y murió en 1850. Autor de una extensa serie de novelas reunidas bajo el título general de " La comedia humana", entre las que figuran:

- La piel de zapa.
- El lirio en el valle.
- Eugenia Grandet.
- Cesar Birotteau.
- Papa Goriot.
- Un contrato matrimonial
- La prima Bette.
- Las ilusiones perdidas.
- El primo Pones.

Honore de Balzac está dotado de una imaginación profunda y creadora. En todos los libros mencionados o novelas el tema principal son los problemas de la familia, pero la causa principal es el dinero.

Papá Goriot

Trata de un hombre que dedicó toda su vida a sus hijas, cierto día murió la madre de sus niñas y él tuvo que ocupar su lugar. Se enteró de unas pastas que iban a tirar, las recogió, las vendió y con el dinero acomodó a sus hijas, hasta presentarlas en sociedad. Eugenio Rastingnac es un joven que viene a estudiar a Paris y se hospeda en la pensión donde se encontraba Papá Goriot. 

La historia de Goriot se une a la de Rastignac a través de Vautrin. Goriot pudo haber tenido la vida de Vautrin y éste fue quien inició a Rastignac en la vida en sociedad parisiense, a la par que su prima Beauseant. 

Papá Goriot cuando llegó a la pensión tenía mucho dinero, la Señora Vauquer ; dueña de la pensión y condesa; lo ubica en los pisos más altos e iluminados. A medida que Papá Goriot va perdiendo el dinero lo va bajando de planta, a las habitaciones más frías y pobres. 

Vautrin burla la muerte, tiene un club, es bandolero y estafador; y es un hombre importante en la obra. Su experiencia le sirve a Rastignac, es el que lo impulsa negativamente. 

Beauseant, prima de Rastignac, representa la nobleza que a fines del S. XIX está en decadencia. Es importante para Rastignac.

Para Balzac , Rastignac va a ser el hombre ideal, ya que une el honor ( el de su prima ) y el dinero ( el de Vautrin ) 

Las hijas de Papá Goriot

- Las hijas se nombran Anastasie y Delphine. 

- Una  enamora a Rastignac, pero él la rechaza, la desprecia y la utiliza. 

- Rastignac desprecia a las hijas de Goriot por dejar morir a su padre, después de lo que él había luchado por ellas para que no sufrieran carencias. 

- Las hijas de Goriot se casaron con gentes de sociedad y desde ese momento rechazan a su padre.

Esta obra está dividida en varias partes. Tiene dos líneas argumentales. Al entrar Goriot a la pensión hay un anuncio. Hay ideas y frases de Voltaire. Con la pensión Balzac nos va a guiar y a enseñar a vivir. Hace una descripción realista. La descripción de la pensión está estrechamente relacionada con la psicología de cada personaje hospedado en la misma. 

A Balzac le tocó vivir en una época o etapa mejor, donde los que mandaban eran los banqueros, por lo que eso hace que los temas de muchas de sus obras se encuentran alrededor del dinero. 

Había idealizado un estado donde hubiera HONOR y DINERO. Dos cosas difíciles de unir. Balzac también necesita el dinero, pero siendo artista necesitaba honor, apreciado no por la burguesía, pero si por la decadente nobleza, desplazada por aquella. 

Esto constituye la contradicción fundamental de su vida ( dinero/ honor ). Esto se ve en varios de sus libros de " La comedia humana". Todos sus artistas ( los de sus libros ) terminan con la muerte físico y moral. él mismo tuvo esa muerte. 

Para Balzac es un gran rasgo ser observador. Critica a su clase burguesa por no darle el honor que quería, aunque también la amaba pues era la que tenía, el dinero y la " vida fina". 

Para él en la burguesía el arte tiene un destino deplorable, no solo el arte, sino todos los valores espirituales. 

C. Ph. E. Bach: Fantasia for fortepiano in C major [1785]

Los hijos de Bach

WILHELM   FRIEDEMANN BACH ( 1710 - 1784 )


Notable improvisador.

Su obra :

- 9 sonatas para clave, 2 sonatas para 2 claves, 12 polonesas, 10 fantasías, entre otras.

JOHANN CHRISTIAN BACH ( 1735 - 1782 )


Tiene un estilo homófono con influencia italiana. Escribió aproximadamente 70 sonatas de 3 movimientos para teclado, así como conciertos para piano y orquesta.

En el año 1768  J. C. Bach da el primer concierto de piano en Londres.

KARL PHILLIP  EMMANUEL BACH  ( 1714 - 1788 )


Tiene un papel fundamental en el desarrollo de instrumentos de teclado. Popular como intérprete, pedagogo y compositor. Su instrumentos favorito es el clavicordio. Escribió miniaturas, fantasías, variaciones y rondó. Más de 50 conciertos para instrumentos de teclado u un tratado denominado " Ensayo sobre el verdadero arte de utilizar los instrumentos de teclado", donde habla de la realización del bajo, de la digitación, ornamentación y acompañamiento e improvisación.



Aporte de Karl P. Bach:

Papel destacado en la creación de sonatas para teclado. Las sonatas se cristaliza como forma, ya que enmarca las principales funciones del ciclo. Luchaba contra la falta de contenido en la interpretación.

Orlando di Lassus - Madrigals

El Madrigal

Es un género cultivado por los compositores flamencos en Italia. Constituyó la máxima expresión de la polifonía profana de la época. Nace de la frotolla, tienen semejanzas como que la melodía se encuentra en la voz superior. Pero el madrigal es un tipo de composición elevada a una categoría artística superior, es más trabajado y más riqueza en la armonía.

El madrigal evolucionó hasta llegar a convertirse en música  selecta debido a su inclinación hacia la música descriptiva y dramática. Empleó textos diversos. Primero contó con 4 voces y después con 5 y 6.

Su creador es Adrian Willaert ( Vilaert )

Características del madrigal

- Composición coral, en la que intervienen varias voces, con un movimiento muy libre, usaba textos de gran calidad poética.

- Los verdaderos carecían de partes instrumentales independientes, son a capella.

- Se persigue una exacta reproducción de las características del texto.

- Se basa en un procedimiento descriptivo.

- La armonía y el cromatismo se convierte en los elementos esencialmente expresivos.

Compositores del madrigal :


- Cipriano de Rore ( flamenco ) Es holandés, supera a Willaert  en su fuerza expresiva, destaca por la precisión en que sabe trasmitir musicalmente el contenido  del texto por la forma en que se sirve de la disonancia, la armonía y el cromatismo.

- Jacob Arcadelt  ( flamenco ) Es holandés, emplea una escritura armónica sencilla con ligeros rasgos de imitación.

- Orlando di Lasso ( flamenco ) Es belga, domina todos los géneros y estilos, además de la música religiosa, cultivó otros géneros profanos ( madrigales italianos, canciones francesas y liedes alemanes ) Logró que la canción francesa asimilara ciertos procedimientos del madrigal. Utiliza mucho el cromatismo.

Sus obras más destacadas : ( madrigales ) 

a) El peso de la edad

b) Ahora puedes reconfortarte

c) Mi querida dama.

La danza en la antigüedad

Durante la antigüedad los países que desarrollaron una gran cultura también tuvieron interés en desarrollar  la danza. Entre esos países se encuentran  Japón, China, Mesopotamia, India, Egipto, entre otros. Además en una época donde desarrollan el esclavismo.

Egipto 


Desarrolla la danza arcaica, como producto del auge musical de la época.

Primero la danza se hace acompañar de instrumentos de percusión, como panderetas, castañuelas, sistro, entre otros. Con el desarrollo de los instrumentos melódicos como el laud, la flauta doble y el arpa, los movimientos danzarios se enriquecen.

India

Las danzas arcaicas se desarrollaron producto del interés de la sociedad, en celebrar festividad religiosa o profana pero la religión actúa de forma directa y en esta manifestación artística y crea movimientos danzarios de carácter ritual que han llegado hasta nuestros días sin poderse alterar o cambiar, producto de la fuerte influencia de la religión. 

Ejemplo : 

Las mudras , con movimientos de cuello, las cejas, los ojos, las manos, los pies, etc. 

Grecia 

Aporta al desarrollo de las danzas arcaicas, un nuevo elemento, la flexibilidad del  cuerpo, que se debe tal vez al uso de un vestuario mucho más ligero. 

El estudio de la danza como manifestación artística durante la antigüedad especialmente en Grecia, es enriquecida no solamente por la pintura, la escultura, sino también por la literatura. 

Ejemplo: La ilíada. 

La música tiene gran importancia producto de la evolución del pensamiento humano es asi que vemos que la danza se hace acompañar del instrumento preferido: la lira. 

Roma no desarrolló la danza, ni la música, ni otras manifestaciones que no fuera la arquitectura. Fue el pueblo constructor de palacios, caminos, circos. 

La danza en el movimiento del cuerpo con un sentido artístico que demuestra elegancia y estado de ánimo de la persona, así como los sentimientos, que sea agradable para el cuerpo y para la vista. 

La danza folclórica expresa lo típico de un país.

La danza contemporánea es la danza en el siglo XX, es una danza moderna.

La danza recreativa es la que se practica en medio de recreación.

La danza espititual es la que invoca a los espíritus, para llamar a  la lluvia, para alabar a algún dios, etc.

El Ballet es el arte del baile. 

La danza es una manifestación artística que su lenguaje es precisamente el cuerpo y su movimiento estético. Donde hasta se pueden contar historias y decir sentimientos.

Tiene un carácter histórico-social.

Las danzas primitivas: 

- Tienen carácter mágico

- Eran danzas rítmicas

- Danzas colectivas

- Tenían espontaneidad. 

La creación de George Friederick Haendel ( 1685 - 1759 )

El estilo de Haendel  en la obra para clave , difiere del de Bach. Marcado por una orientación italiana ( influencia de la ópera ) . Predomina la homofonía ( frecuentemente  la escritura a 2 voces, le era suficiente).El desarrollo de los temas eran menos extensos que los de Bach. En su manera de escribir se ve la influencia de su talento como improvisador.

Sus obras más destacadas fundamentalmente son 20 Oratorios, Pasiones, aproximadamente 50 óperas. También escribió 12 conciertos grossos, conciertos para órgano y obras de cámara. Las obras para clave no son numerosas. Se resume en 3 colecciones y un ápendice de 6 fugas.

Primera Colección : ( 1720 )

- Incluye 8 suites
- Obras juveniles con influencia de la música francesa.


Segunda Colección : ( 1733 )

- 9 pequeñas suites
- Variaciones. Gavota en Sol Mayor
- Chacona en Sol Mayor y 62 variaciones.

Tercera Colección : ( 1735 )

- Suites, fantasías, Caprichos, pequeñas sonatas, lecciones para sus alumnos.

Apédice de 6 fugas :

Aqui muestra con mayor relieve sus cualidades como improvisador.


Suites de Haendel :

No solo utiliza danzas tradicionales, sino también piezas que recuerdan las sonatas de Scarlatti y fugas. Da mucha importancia a la variación dentro de la suite.

Características de la obra de Haendel: 

- Muy optimista y alegre. 

- Muestra su creencia en la bondad humana. 

El siglo romántico

El siglo romántico es una época contradictoria y se da en todas las artes.
Se da un desarrollo económico, técnico y científico.
Se crea la primera locomotora, la teoría marxista que revolucionó los fundamentos  de la sociedad. Y la teoría de la relatividad de Einstein  que creó las brasas de la física moderna.

Algunos artistas de oponen a estos acontecimientos, otros se aíslan y ese aislamiento social está dado por la evasión del espíritu ante la crudeza de la realidad.
La evasión profundamente romántico, huida de lo trivial, lo cotidiano.
El romanticismo significó la liberación.

Todo este aislamiento social trae consigo el subjetivismo, egocentrismo e individualismo. Conflicto entre el individuo y  la sociedad.
El mundo espiritual del hombre juega un papel central, lo que originó el temor a la soledad,  y la sobre estimulación  de lo espiritual. Sentimientos de evocar el pasado. El mundo de los cuentos, sueños  y naturaleza. Los sentimientos están en primer plano. Las necesidades humanas debían primar. Mediante las microformas es que se expresan sentimientos, estados de ánimo y emociones, por lo que va a ser lo que va a primar como forma.

La música será la expresión artística más importante en este período.  Porque coexiste música - pintura, música - literatura y música - danza.

Por ejemplo:

 Música - literatura  ( Schumann - Papillón )
 Música - danza      ( Valses y Mazurcas )
 Música - pintura     ( Cuadros de una exposición - Moszkowski )


Unido a esto está el espíritu nacionalista.

Las formas románticas más creadas son:

- Canciones sin palabras.
- Nocturnos.
- Improntus.
- Valses.
- Miniaturas.
- Canciones de cuna.
- Barcarola.
- Sonatas y Conciertos  ( Se da el nuevo concepto de monotemátismo en 1er movimiento )


El piano se utiliza en conciertos pero también en salas hogareñas y para la enseñanza. Es el instrumentos de la época; ya que tiene gran riqueza dinámica  y sonora.
Además amplia posibilidad de cantabile. Se desarrolla el arte virtuoso, brillante y por lo tanto un desarrollo de la técnica pianística.
Aparecen numerosos ejercicios, estudios y con ellos compositores como Czerny, Cramer, Humann y Moscheles.

Carl Maria von Weber ( 1786 - 1826 )

Fue un compositor alemán, fue director, pianista y crítico. Sus obras para piano son:

- Variaciones
- 3 conciertos
- 4 sonatas
- Polonaises
- Piezas para 4 manos en piano
-  Invitación al baile op. 65  ( donde vincula el vals a la forma rondó)
- Primera gran obra programática  ( Konzrtuske op 79 en Fa menor ) , pieza concertante para piano - solista -  y orquesta , obra muy original plena del espíritu romántico; los movimientos se relacionan encadenados sin aparecer forma sonata.
- Fue un aporte en su momento y sentó un precedente para conciertos posteriores, en donde las secciones se tocarían sin interrupción.
- Importante tratamiento del piano, virtuosismo en la relación piano -orquesta. Notas dobles. Grandes distancias.

El estilo de Weber es rítmico, brillante, pintoresco, contrastante, gran manejo sonoro. Recuerda la paleta orquestal donde dialogan las secciones de instrumentos. Un  mundo musical e imaginativo, fantasioso. Su música refleja temperamento y la tradición germana.

Su obra refleja lo teatral. 

Frank Schubert ( 1797 - 1828 ) 

Es un músico austriaco. Su obra para piano es multiforme: 22 sonatas, improntus ( op. 90 al op. 142 ).

Momentos musicales, fantasías ( El viajero ) , también escribió valses, escosesas, polonesas y composiciones para 4 manos que son apasionatas. 

No se aparta en exceso de las formas clásicas. Explota la esfera lírico-sicológica. El material temático es siempre lírico y cantabile. Da importancia a modulaciones  y al uso libre de las tonalidades. Su estructura  es generalmente sencilla. Es un genio en el tratamiento de la melodía. 

En su música para piano se refleja la influencia  del cuarteto de cuerdas y la orquesta ; excepto la fantasía " Wanderer" donde aparece gran cantidad de figuraciones que parecen sacados de una reducción de orquesta : trémolos de las cuerdas - octavas alternadas - vibratos, etc.

Compuso casi 600 lied, la parte de piano es muy original. La lógica armónica contenida en el piano conduce el sentido del texto.

Felix Mendelssohnn Bartholdy  ( 1809 - 1847 ) 

Jugó un papel importante en la divulgación de los maestros del pasado. Destacado pianista y organista con un gran talento, desde los 4 años tocaba el piano  y a los 8 componía. 

Su estilo era lírico, poético y fino. Espíritu romántico. Recibía admiración y respeto por patrones del pasado.Se ve el equilibrio y expresividad mesurado. Creador disciplinado y organizado que realizó una obra vasta y variada en 39 años, creando  casi  practicamente todos los géneros  y en menor escala la ópera. Utiliza el piano como un importante medio de expresión, aunque su producción para este instrumento no ocupa un lugar tan fundamental como la obertura de concierto.

Sus obras para piano son: 

- Canciones sin palabras

- 7 piezas op 7

- Rondó caprichoso op 14

- 3 fantasías op 16

- 3 estudios op. 104

- 6 preludios y fugas

- 3 sonatas op 6

- 2 conciertos

- Rondó brillante

- Capricho brillante

Estos dos últimos para piano y orquesta. 

El énfasis clásico en su obra se aprecia por ejemplo en el apego a formas de contrapunto estricto. Por ejemplo : Characterstücke op 7 las piezas 3 y 5 son fugas. En sus preludios y fugas son 6 ( op 35 ) presenta patrones con el rigor de los barrocos y con asimilación del S. XIX  no exento de algunos rasgos virtuosos. 

Las variaciones serias, son las más prestigiosas, son de variado carácter que sintetiza elementos clásicos y espíritu romántico.  Tema con 16 variaciones y una coda. El tema original es el carácter polifónico a 4 voces. 

Tratamiento pianístico variado : Estructura cercana a los rasgos de toccata, abundante utilización de manos alternas. 

 Canciones sin palabras : Es su colección más popular. Son 48 piezas de carácter, agrupadas en grupos de 6. Piezas breves en el estilo de una canción lírica, sencilla melodía dad en frases bien estructuradas sobre un acompañamiento que generalmente funciona con el mismo esquema en toda la obra. 

Puede clasificarse en 3 tipos: 

- Solo acompañado por piano ( la mayoría ) 

- Duo acompañado por piano.

- Canción coral eleborada generalmente a 4 voces sin acompañamiento. 

Estos rasgos puieden darse en una sola pieza.

El concierto No. 1 op 25 en Sol Menor de Mendelssohnn: 

En este concierto se ve una unidad entre movimientos, lo cual es novedoso en la época. Elimina el tutti orquestal  ( característica clásica ) Solo muestra una breve entrada de la orquesta.Se considera el primero en su género que rompe verdaderamentecon loe esquemas establecidos por los clásicos. 

El clave bien temperado

Antes que Bach, Bernhard Weber ( 1689 ) escribió una serie de preludios y fugas en todos los tonos con este temperamento. Andrea Werekmeister ( 1691 ) escribió  una obra llamada  " Temperamento musical " . Johann Fischer ( 1715 ) escribió " Ariadnemusica " ( Colección de Preludios y Fugas ) , utilizando 19 tonalidades mayores y menores.

Bach escribió el I Tomo de Preludios y Fugas para demostrar el temperamento del clave. El II Tomo es una recopilación de otros Preludios y Fugas escritos anteriormente. Esto trae como consecuencia cambios en la construcción de los instrumentos y cambios en la posición de la mano así como en la digitación, ya que en aquella época se tocaba con los 3 dedos del medio y Bach incorpora el pulgar y el 5to dedo.

Éstos están ordenados en el orden de la escala cromática. Hay preludios que son polifónicos, otros con carácter de toccatta, otros improvisatorios, o sea, están escritos para preparar los dedos para entrar en la fuga, y para conocer el instrumento.

La relación " Preludio - Fuga " puede ser de contraste o de continuidad. En los preludios pueden estar mezcladas las características dichas anteriores.

Las fugas de I Tomo son de 2, 3, 4 y 5 voces y las fugas del II Tomo de 3 y 4 voces.

La pintura en el S. XIX y el Impresionismo.

En la pintura aparecen en el siglo XIX, los impresionistas. En 1851 se celebra en Londres la primera Gran Exposición Universal, donde el hombre expresa mediante los objetos allí presentados la evolución de la ciencia, la técnica y el arte.

En 1876 se celebra la segunda de estas exposiciones en París, donde se levanta la Torre Eiffel como símbolo de esta GRAN EXPOSICIÓN UNIVERSAL.

Los distintos países que allí participaron mostraron sus adelantos en los distintos campos del pensamiento humano.
A fines del S. XIX y principio del XX aparece un nuevo estilo artístico que se conoce como " Arte nuevo" ( Art Nova). Tuvo poca duración ya que durante la Primera Guerra Mundial comenzó su decadencia. Abarcó a muchas manifestaciones del arte:

- Arquitectura
- Pintura
- Escultura
- Diseño industrial

El estilo impresionista que marca un momento de despegue en las artes del S. XIX  y principio del XX no solo significó el desarrollo lógico del arte en lo conceptual, sino que fue más allá, llegando a los aspectos técnicos.

Esto es debido entre otros aportes de la sociedad al descubrimiento de la fotografía, que influyó de manera especial en la plástica.
El impresionismo abarcó a la literatura, a la música, la pintura y  la escultura fundamentalmente.

Características del impresionismo


- Pintura al alire libre.
- Captan el momento fugaz.
- La pincelada es suelta, ágil.
- Brillantez del color ( ausencia del negro)
- Dinámica.
- Pintura realista.
- No trata los temas políticos o sociales de la época, solo se recrea en los paisajes de escenas cotidianas.

Robert Schumann

Es un compositor alemán. Se destaca en la influencia de la literatura en la música. Su habilidad como compositor se concentra en el arte de la canción y en la pequeña pieza para piano. Sus mejores composiciones para piano son un  conjuntos de miniaturas musicales. En cada miniatura presenta una narración diferente, dándole títulos individuales a cada una. Expresa una riqueza de estados de ánimos  diferentes. En su obra no existen cambios de estilo, sus composiciones no se derivan de cuestiones literarias o musicales, también se reflejan momentos psicológicos.  La complejidad de expresión en enigmas y algunos títulos reflejan un espíritu de fantasía en su música. No se interesó en trabajar la fama, sino en seleccionarel material musical. Los temas cortos son breves. Cada pieza está concentrada en la repetición de una sola idea. Melodías en sentido ascendente, la cual le da un carácter interrogativo. Hizo una utilización de todos los nuevos efectos del piano moderno.

Sus piezas:

- Variaciones abegg 

Su nombre es tomado de las letras musicales. A veces el tema se invierte y aparece ggeba. Es una  obra de un tema con 3 variaciones y un final " a lla fantasía", precedido a una larga sección cantabile. Es una obra de cierto despliegue pianístico con influencias de Moscheles y Beethoven.

- Papillons ( mariposas ) 1832

Es una obra que  tiene un título que sugiere gracia y fantasía. Inspirado en la novela " Años de Luna ". Es una serie de 12 miniaturas contrastantes. Logró la unidad gracias a la riqueza rítmica y al carácter danzario de casi todas. El baile de máscaras del final de la obra deja oir las 6 campanadas que anuncian la mañana  y el final de la noche. Es una obra sencilla  en cuanto a estructura y sin elementos virtuosos.

- Danzas de la liga de David op 6 ( 1837 )

Esta obra tiene un nombre  producto de la imaginación de Schumann a un grupo de jóvenes, entre los cuales estaba él. Los jóvenes poseían apodos por Schumann : Florestan, Eusebius y Raro. Esta era una de las facetas de su personalidad.
Era una obra formada  por 18 piezas cada una firmada por uno de estos personajes.

- Toccata op 7

Es la primera y más lograda forma sonata que tiene Schumann. Utiliza la introducción como elemento  unificador. Buena manifestación de virtuosismo.

- Carnaval op 9

Son 20 piezas con el siguiente subtítulo: " Pequeñas escenas sobre 4 notas" , de acuerdo a la notación germana.  Tienen mucho de variaciones  y de obra cíclica. Los títulos aparecen en las 20 piezas como máscaras en el carnaval. 

- Kreisleriana op 16

Kreisler fue un músico hábil, impetuoso y excéntrico, héroe de una novela de Hofpmann. Son piezas extensas sin título ( 8 ). Predominan tonalidades menores y trabajo contrapuntístico. Deben ejecutarse de forma consecutiva. Muy relacionadas entre sí con un propósito conductor de gran finura. 

- Fantasía op 17

Considerada por algunos críticos su mejor obra para piano, sin ser una sonata exactamente. Tiene  la solidez y la integridad de la forma clásica. Los momentos más brillantes están en el segundo movimiento , dotado de gran impulsividad; gracias a la rítmica y  a la amplia utilización de los acordes. El último movimiento está dotado de una dulce y ardiente  calma.

- Estudios sobre los caprichos de Paganini

Tanto estos estudios como los estudios de concierto  ( op 10 )  son el reflejo del gran virtuoso italiano. Schumann fue el pionero de  los compositores pianistas que se percató de la posibilidad de adaptar al piano aquellos trozos llenos de espectacularidad. Más tarde  Liszt lo haría con más exito ya que su virtuosismo casaba mejor con las aspiraciones del violinista. 

- Concierto para piano ( op 54 ) 

Creado su primer movimiento como obra libre  ( fantasía ) . El segundo y el tercer movimiento fueron adicionadas 4 años más tarde. Sobresale el Schumann lírico por encima del virtuosismo. Hay un equilibrio entre lo virtuoso y lo poético.