sábado, 30 de marzo de 2013

Alfred Cortot - Ballade No. 1 en sol menor, op. 23 de Chopin



                                         




Alfred Cortot


El pianista Alfred Cortot nació en Nyon el 26 de septiembre de 1877. Fue un pianista y director de orquesta francés. En el conservatorio de París estudió piano con Decombes, una de los pupilos de Chopin, y luego con  Louis Diemer, ganando un primer premio en 1896.

Con el paso de los años, algunos de sus compañeros de clase en el conservatorio recordarían que Cortot quizás no era el más dotado, pero sí el más trabajador y por dicha causa esto lo llevó a ser un pianista notable. Además de su excelencia en el teclado, también lo fue con sus interpretaciones de Wagner en Bayreuth.




Al año siguiente ya era asistente de dirección el el Festival de Bayreuth, dedicado a la representación monográfica de la obra Wagner.

Luego de esto, fue oído y admirado como un intérprete de Beethoven en los conciertos de Colonia y de Lamoureux, y también apareció con Eduard Risler en dos conciertos de piano en la música de Wagner. En 1898 lo designaron como entrenador de coros, y luego como director, en Bayreuth, en donde trabajó hasta 1901 bajo la responsabilidad de Mottl y de Richter.

Conoció a Cosima Liszt en esos festivales y a partir de entonces se convirtió en un fervoroso wagneriano. Hasta 1902 continuó asistiendo como director a los festivales de Bayreuth.
Fundó una sociedad en París dedicada a gestionar y organizar óperas de genio alemán, además de piezas de Beethoven, Brahms, Schumann y otros compositores franceses. Fue el responsable y director del estreno de El Ocaso De Los Dioses, de Wagner en París en 1902. Dirigió con éxito a través de la sociedad mencionada la Missa Solemnis de Beethoven, Un Requiem Alemán de Brahms y La Legende De Sainte Elisabeth de Liszt.



Un hito en su vida y en la historia de la música del XX, lo supuso su encuentro con Pablo Casals con quien mantuvo una estrecha amistad hasta el final de sus días. De hecho el último concierto que dió en público tuvo lugar en 1958 con el violoncelista catalán en el Festival de Prades. Formaron un trío con el violinista Jaques Thibaud que pronto se convirtió en una de las principales formaciones de música de cámara del mundo.



                                                                      Pau Casals


                                                             Jaques Thibaud con Alfred Cortot


Este grupo estuvo vigente hasta 1944, y cuando un día se le preguntó cómo habían llegado a juntarse los tres, su respuesta dejó a más de uno estupefacto: “fue durante un encuentro casual jugando al tenis”.




En el año 1907 Gabriel Fauré lo designa Profesor del Conservatorio de París para sustituir a Raoul Pugno (1852 – 1914). 
Aquí Cortot se dio cuenta de su verdadero valor como maestro. En 1919 el gobierno francés lo envía a los Estados Unidos para efectuar una gira de propaganda artística. En 1919 funda en París la “Escuela Normal de Música” contando con la colaboración de los mejores músicos del país Galo.
 Luego de una gran gira por Alemania y nuevamente por los Estados Unidos, sentó los fundamentos de la Orquesta Sinfónica de París el cual él mismo dirigió. En 1920, cuando ya estaba al frente el gobierno bolchevique en la Unión Soviética, Cortot da sendos conciertos en Moscú y en San Petersburgo, los cuales constituyeron un fuerte cimbronazo para los pianistas ruso – soviéticos de ese entonces, tales como Heinrich Neuhaus y Samuel Feinberg, los cuales se dieron cuenta que tenían que cambiar sus respectivos enfoques técnicos en el arte de la ejecución pianística.

Desarrolló una importante labor pedagógica en el Conservatorio de París. Muestra de ello es la cantidad virtuosos que surgieron de sus clases, entre los que destacaremos a Clara Haskil, Dinu Lipatti y Vlado Perlemutter. Como curiosidad citaremos a una alumna suya que pasaría a la historia por ser la compositora de varios éxitos de Edith Piaff, Marguerite Monnot, autora, además, del musical Irma La Dulce.

La demanda de su presencia como director invitado a las principales orquestas del mundo y los constantes viajes con su trío, no le impidieron dejar grabaciones que constituyen aún hoy en día joyas documentales y guía para pianistas. La actividad de la música de cámara con sus insignes compañeros cesaron en la Segunda Guerra Mundial.




Sin embargo durante la 2da. Guerra Mundial ocurre un hecho lamentable aunque también discutible, dado que se pone de parte del Gobierno de Vichy el cual era presidido por Laval y Pétain. Incluso su nombre se llegó a relacionar con ciertas actitudes antisemitas; de todas maneras esto nunca pudo comprobarse. 

 En 1942 tocó en Alemania bajo la dirección de Wilhem Furtwängler (1886 – 1954). Después de finalizada la conflagración tuvo algunos problemas políticos, los cuales finalmente fueron resueltos. Su definitiva aceptación ocurrió el 17 de octubre de 1949 cuando dio un gran concierto en la sala Pleyel en conmemoración del Primer Centenario de la muerte de Chopin. 



                                                        Alfred Cortot  y  Wilhem Furtwängler


En 1952 se le vio por última vez en el Río de la Plata en donde se apreciaron sus cualidades interpretativas. De todas maneras se le pudo notar como “cansado” y literalmente con pocas fuerzas físicas, lo que no le impidió todavía dictar un curso de verano junto a Wilhem Kempff en la ciudad de Positano, cerca de la ciudad de Nápoles. Su última presentación ante el público tuvo lugar el 10 de julio de 1958 en la ciudad de Prades, España. 




Los recursos técnicos de Cortot, los cuales en su momento llegaron a ser brillantes,pero  para la década de los cincuenta ya estuvieron bastante disminuidos. Pero seguía siendo el gran Cortot, el cual transmitía una verdadera poesía, elegancia y fineza mientras ejecutaba Chopin y Schumann. Cortot, al igual que Claudio Arrau (1903 – 1991), daba mucha importancia a la soltura  muscular. Sabía hacerlo a la perfección, dado que era un amplio conocedor de la estructura anatómica y biomecánica de los dedos, antebrazo, brazos y hombros.

Destacó en la nueva competición de música para piano francesa, y dedicó tres volúmenes para su exposición. Realizó ediciones para la música pianística de Chopin y para Franz Liszt, Mendelssohn, Schumann y Weber; hay ediciones que incluyen ejercicios técnicos.

La mayoría de las observaciones de Cortot de la técnica del piano proporcionaron el material para un libro que se tituló “Los principios racionales de la técnica del piano” que se publicó en 1928. El autor era un estudiosos ávido y sus seguidores cuidaron y catalogaron su biblioteca de dedicatorias musicales, literatura, primeras ediciones, las letras, los retratos, las monedas y las estampillas.




Fue un ejecutante que realmente se compenetraba en cada una de sus interpretaciones con enorme profundidad, viviendo emocionalmente lo que ejecutaba. Sus grabaciones siguen estando en los anaqueles de las casas musicales especializadas y constituyen excelentes puntos de referencia para todos aquellos que tienen buen gusto hacia el arte del piano. Muchos compositores contemporáneos le han dedicado numerosas obras.

Aunque coincidió cronológicamnte con movimientos vanguardistas musicales no tuvo demasiado contacto con músicos franceses como los surrealistas. Su nombre quedó escrito para siempre como uno de los fundamentales intérpretes de las obras de Chopin, Schumann y Liszt, entre otros grandes compositores románticos. No ha existido ningún afamado virtuoso del piano que no se haya rendido ante la pulcritud y expresividad que se detectan en las grabaciones que legó a la historia.

Una de las piezas más aplaudidas a Cortot en sus actuaciones era Die Kinderszenen (Las Escenas Infantiles) de Schumann. Afortunadamente queda una grabación que realizó de este entrañable álbum en los años veinte.




Luego de su muerte en 1962, su música impresa, algo muy raro, fue dispersada y distribuida entre el museo británico, la biblioteca de Newberry en Chicago y La Universidad de California en Berkeley. Manuscritos importantes fueron comprados por la Fundación de Lehman en la Librería Pierpoint-Morgan en Nueva York.

Alfred Cortot grabó numerosos discos, especialmente de Chopin, Schumann y Liszt, de los que fue un interprete de excepción. Publicó el primer registro mundial integro de la Sonata en si menor de Liszt, de la Kreisleriana de Schumann y del Primer Libro de Preludios de Debussy.


Filarmónica de Viena - Marcha Radetzky


La Orquesta Filarmónica de Viena




La Orquesta Filarmónica de Viena (en alemán: Wiener Philharmoniker) es una orquesta sinfónica de Austria, a menudo considerada como una de las mejores del mundo.

Maurizio Pollini decía:

"Como todo el mundo sabe, la Filarmónica de Viena posee una sonoridad absolutamente única, es una orquesta fabulosa. Sus miembros tienen el don esencial para Mozart, que solo las mejores orquestas poseen, de saber hacer respirar una frase. Llevan en la sangre el sentido del estilo clásico, demuestran una sensibilidad extraordinaria y profunda para esta música. Cuando tocamos un concierto de Mozart no se trata de dirigirlos sino de hacer música juntos".



                                                                       Maurizio Pollini

La sede de sus abonos de conciertos está, desde 1870, en el mundialmente famoso Musikverein. Los miembros de la orquesta son escogidos de la Orquesta de la Ópera Estatal de Viena. Este proceso es muy largo, con cada músico probando su capacidad por un mínimo de tres años tocando para la Ópera y el Ballet. Una vez pasado este tiempo pueden solicitar a la Plana de la Wiener Philharmoniker ser considerados para obtener un puesto en la orquesta.

Los orígenes de la orquesta se conocen desde 1842, cuando Otto Nicolai formó lo que llamó una "Academia Filarmónica"; se trataba de la primera orquesta profesional de Viena, independiente de las orquestas estables de los teatros. Nicolai, que desde 1841 era el director del Kärntnertortheater (el antecesor de la actual ópera estatal) presentó a su orquesta con motivo del primer concierto, como compuesta por "todos los miembros de la orquesta del Teatro de la Corte Imperial". Desde ese primer momento, se establecieron normas que siguen vigentes en la Filarmónica de Viena actual:
Solo los músicos pertenecientes a la Orquesta de la Ópera de la Corte Imperial (actual Ópera Estatal) pueden pasar a formar parte de la Filarmónica de Viena.






La Orquesta es artísticamente, financieramente y organizativamente autónoma, y las decisiones relativas a estos aspectos se toman de forma democrática en las asambleas en las que participan todos sus miembros.

El funcionamiento del día a día es responsabilidad de un comité administrativo elegido por y entre los miembros de la orquesta.

El primer concierto de la Filarmónica tuvo lugar en la Redoutensaal del Palacio Imperial, el 28 de marzo de 1842.

Cuando Nicolai dejó Viena en 1847, la orquesta acusó la perdida de el que era su líder artístico y administrativo y cesó su actividad hasta el 15 de enero de 1860, cuando Carl Eckert, director de la ópera de la Corte, organizó un concierto en el Kärntnertortheater que dio inicio a una nueva serie de "Conciertos Filarmónicos" por suscripción que no se ha interrumpido hasta la actualidad. A partir de ese momento se instauró el sistema de invitación a prestigiosos directores que se hacián cargo de todos los conciertos de una temporada. Este sistema se mantuvo hasta 1933.




Durante la etapa en la que Otto Dessoff se hizo cargo de la dirección de los Conciertos Filarmónicos (1860 - 1875), además de afianzar el repertorio de la orquesta, así como sus principales reglas de funcionamiento, se produjo el traslado a la sede definitiva, al principio de la temporada 1870/71, en el nuevo edificio de la Musikverein.

Entre 1875 y 1883 Hans Richter fue el director principal,y la orquesta ofreció bajo su dirección los estrenos de las Segunda y Tercera sinfonías de Brahms, además de la 3ª, 4ª ,6º y 8º sinfonías de Bruckner (1877), (1888), (1899), (1892). Bajo su dirección, la orquesta alcanzó su prestigio internacional, y afianzó su sólida tradición interpretativa.

Gustav Mahler tomó el puesto de 1898 a 1901, y bajo su dirección la orquesta hizo giras fuera de Austria por primera vez (en la Exposición Universal de París (1900)). Después de que Mahler dejara la Filarmónica y la ópera, asumieron el puesto Felix von Weingartner (1908–27), Wilhelm Furtwängler (1927–30) y Clemens Krauss (1930–33).

 A partir de 1933, desde que se abandonó el sistema de suscripción, la orquesta dejó de tener un único director titular, aunque Furtwängler se convirtiera de hecho en su director principal hasta su muerte en 1954.




                                                                            Furtwängler

Durante la época del régimen nazi en Austria, desde 1938, la orquesta sufrió la persecución por parte de las autoridades de los artistas de origen judío, de la misma forma que la Ópera Estatal. A pesar de los esfuerzos del propio Furtwängler, que consiguió la anulación de varios expedientes de expulsión, la orquesta tuvo que lamentar la muerte de seis de sus miembros, de origen judío, en los campos de concentración.

Tras la Segunda Guerra Mundial, la orquesta continuó trabajando con los principales directores de orquesta de de todo el mundo, que eran invitados a participar en los Conciertos Flarmónicos. Entre ellos han estado buen número de los directores más conocidos mundialmente, como Karl Böhm, Herbert von Karajan, Georg Solti, Erich Kleiber, Carlos Kleiber, Carlo Maria Giulini, Leonard Bernstein, Riccardo Muti, Claudio Abbado o Valery Gergiev.

Desde el año nuevo de 1941, la orquesta da un concierto dedicado a la música de la familia Strauss, y, en especial, a la de Johann Strauss (hijo): el Concierto de Año Nuevo de Viena.




El sonido característico de la Filarmónica de Viena puede ser atribuido en parte al uso de instrumentos y estilos de ejecución que son fundamentalmente diferentes que el usado por otras orquestas importantes:

El clarinete tiene un sistema de digitación diferente, y la embocadura tiene una forma característica, que requiere el uso de lengüetas especiales.

El fagot es básicamente el modelo alemán, pero tiene combinaciones de digitación y lengüetas especiales.

La trompeta tiene un sistema de válvulas de cilindro y medidas más estrechas.

El trombón tiene un tubo más estrecho, y proporciona dinámicas y colores más variados. La tuba tiene diferentes digitaciones y sistema de válvulas.

El timbal usa cuero natural de chivo en lugar del cuero sintético. La afinación es más precisa, porque se realiza con mandos manuales, en lugar de con pedales. No se construyen a partir de chapa metálica, sino que se funden en molde.

El contrabajo retiene la afinación natural del violín por terceras y la ubicación tradicional en el escenario en una fila detrás de los metales.

El oboe vienés tiene tubo, medidas, lengüeta y sistema de digitación especiales. Es muy diferente del, por otro lado internacionalmente usado, oboe francés.

La trompa en Fa vienesa es una variación de la trompa natural con un tubo en Fa insertado, de tal modo que pueda tocarse la escala cromática. El tubo es más largo y de menor diámetro, y la campana es también más estrecha que en la trompa francesa (trompa doble, en Fa y en Si bemol). También se caracteriza por su sistema de válvulas de doble pistón, en lugar de válvulas de cilindro. Estas válvulas tienen la ventaja de ofrecer un tono que no está tan pronunciadamente definido, y hace posible un ligado más suave entre notas. El sonido resultante es más rico en armónicos, apropiado para notas amplias y sostenidas y pasajes ligados, mientras que dificulta al intérprete las notas cortas y definidas (stacatto), o los pasajes rápidos, al exigir una mayor potencia del flujo de aire, debido a la longitud y estrechez del tubo.




A lo largo de la historia, algunos instrumentos han quedado en desuso, y se han perdido para la tradición instrumental de la orquesta. Este es el caso de la flauta vienesa, que se seguía utilizando a finales del siglo XIX, y que Gustav Mahler, durante su época de director de la Staatsoper, erradicó de la misma, sustituyéndola por la más brillante y de mayor sonido flauta Böhm, contratando incluso instrumentistas holandeses, expertos en el uso de este instrumento. Mahler estimaba que el sonido de la flauta vienesa no era suficiente para destacar en medio de la densa instrumentación de las óperas y obras sinfónicas posteriores a Wagner, incluyendo sus propias sinfonías.




Aunque la orquesta es ampliamente reconocida como una de las mejores del mundo, ha recibido ciertas críticas porque hasta 1997 no permitió que las mujeres fuesen miembros de pleno derecho en la orquesta (aunque algunas mujeres tocaron con la orquesta, no eran miembros de pleno derecho).
 En 1997 la primera mujer, la arpista Anna Lelkes, se hizo miembro después de tocar con la orquesta como "no-miembro" durante más de veinte años.

Después del retiro de Lekles, Charlotte Balzereit, otra arpista, la reemplazó como la única integrante de la orquesta. Hasta noviembre de 2005, cuando Simone Young la dirigió, ninguna mujer había dirigido la orquesta.

Históricamente, la orquesta no ha aceptado a miembros que visiblemente pertenecieran a minorías étnicas, aunque no hubiera ninguna norma escrita al respecto. No obstante, en 2001, un violinista que era medio asiático se hizo miembro.

Algunas personas asociadas con la organización han sido criticadas por decir lo importante que es mantener la uniformidad étnica de la orquesta (es decir, europeos blancos) para mantener los altos estándares de ejecución.

El violinista judío Fritz Kreisler fue dado de baja cuando solicitó un puesto en la sección de cuerdas, y aunque Gustav Mahler se convirtió del judaísmo al catolicismo un año antes de que fuese nombrado director, sólo mantuvo el puesto por cuatro temporadas.





La orquesta ha rechazado emplear las audiciones totalmente ciegas, donde se juzgan a los músicos detrás de una pantalla para poder juzgar su calidad objetiva sin consideración alguna de prejuicios sexistas y racistas. La gran mayoría de las demás orquestas importantes emplean las audiciones ciegas.

Desde finales de los años 90 ha habido significativas protestas contra la mentalidad excluyente de la orquesta tanto por personalidades como por la Alianza Internacional para la Mujer en la Música (International Alliance for Women in Music).




 La célebre Filarmónica de Viena ha admitido que muchos de sus músicos fueron miembros del partido nazi durante el régimen de Hitler y que su director podría haber entregado un prestigioso premio a un criminal de guerra 20 años después del final de la Segunda Guerra Mundial.

   La orquesta, que ha sido criticada por encubrir su historia, ha publicado por primera vez información sobre su comportamiento durante la época nazi, incluyendo las biografías de músicos judíos que fueron expulsados y acabaron en campos de concentración.

   No fue hasta 1991, más de 40 años después del final de la guerra, cuando Austria admitió formalmente su importante papel en el Tercer Reich y el Holocausto y pidió disculpas por ello.




La Orquesta Filarmónica de Viena tiene su sede en el Musikverein. Ese edificio es escenario de sus interpretaciones durante todo el año. Es muy conocido por su excelente acústica, que lo sitúa entre las tres mejores salas del mundo en cuanto a sonoridad.

El edificio es de arquitectura fuertemente influenciada por la antigua Grecia (al estilo se le llamó “Renacimiento Griego”). Orfeo en el frontón de la fachada, las cariátides y la pintura de Apolo y la Musas en el techo del salón principal de conciertos, las columnas jónicas y el techo de templo de la Sala Brahms, entre otros elementos nos dan una idea de la admiración hacia lo griego.




Tiene 7 salas de conciertos. De estas destaca el “Salón Dorado” (Großer Musikvereinssaal), la sala más grande y bella del recinto. Tiene una capacidad para 1.744 personas sentadas y 300 paradas. Combina sus formas estáticas y estables de una sala rectangular con detalles exquisitos. Los muros y el techo están arreglados de forma rítmica donde las formas y los colores entran en un interesante juego. Así, por ejemplo, la pintura del techo con Apolo y la Musas crean un contrapunto dinámico con los tonos dorados dominantes. Otro contraste atractivo son las esculturas blancas femeninas sobre las puertas del balcón y el órgano, con las cariátides doradas.





Hay más de 500 conciertos al año de la Orquesta Filarmónica de Viena. Atrae a los amantes de la música de todo el mundo, pero también es muy popular entre los locales ya que es un punto importante de la vida social de la ciudad.


Bruno Gelber - Concierto No.1 de Tchaikovsky



Bruno Gelber




El destacado pianista y maestro Bruno Gelber nació en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, en el año 1941. Nacido en una familia de músicos pues de hecho su madre era profesora de piano, se dice que comenzó sus primeros acercamientos al instrumento a la edad de 3 años y que a la edad de 5 años ya interpretaba complejas sonatas y conciertos.

Todos los grandes artistas, para llegar a serlo, parece que deben pasar la prueba del dolor. A Bruno Gelber le tocó muy pronto ese día, a los siete años enfermó de poliomielitis y estuvo uno sin poder caminar. Animado por su gran vocación y fuerza de voluntad, siguió estudiando con un piano que su familia adaptó a su cama.


Mejorada su salud, a los quince años se presentó en el Teatro Colón de la capital argentina, con el concierto de Robert Schumann y dirigido por el conocido director Lorin Maazel. Esto lo hizo famoso por toda América del Sur.

Durante trece años fue alumno del maestro Vincenzo Scaramuzza.
 A los 19, partió rumbo a París, para proseguir con sus estudios de piano tras ganar una beca del gobierno francés.
En la capital francesa vivió treinta años. En los tres primeros ocupó el cuarto 17 de la Fundación Argentina, en la Ciudad Universitaria. Allí seguiría la historia de uno de los artistas argentinos contemporáneos más exquisitos en su género.



En 1959, en la ciudad alemana de Munich, tuvo lugar su triunfal debut internacional, calificado por el reconocido crítico Joachim Kaiser como "casi un milagro".

A partir de entonces  comenzó su brillante carrera internacional, aunque también tuvo el dolor de perder a su madre, su gran guía y asesora musical. Hasta la fecha ha visitado unos 45 países y tocado cerca de 5000 conciertos, con las mejores orquestas del mundo y los más famosos directores.

No obstante, aunque desde niño fue un privilegiado para la música. sus éxitos han supuesto toda una vida de estudio, de entrega absoluta al piano, de dura autocrítica en busca de una perfección ideal y todo ello a pesar de las secuelas que la enfermedad dejó en su salud.




Años más tarde, en el ocaso del siglo veinte, quien es considerado uno de los mayores exponentes de la obra de Chopin y Beethoven, fue nombrado entre los cien mejores pianistas del siglo.
Sin embargo, Bruno Gelber no es mejor artista por haber crecido en medio de circunstancias dolorosas que le tocó afrontar. Detrás de este hombre, generoso y dotado de una gran sensibilidad, hay toda una vida dedicada a la música. La profesión que eligió es una entrada en religión, es un amante voraz, una eterna soledad.


Fue dirigido por directores de orquesta de la talla de Ansermet, Kempe, Szell, Krips y Dorati. A lo largo de su exitosa carrera recibe los premios Konex en los años 1989 y 1999 respectivamente. En 1996 fue reconocido su merito por la mejor interpretación de la sonata para piano Waldstein de Beethoven junto con Alfred Brendel. Muchas publicaciones especializadas lo ubican entre los mejores 100 pianistas de todas las épocas.

Según el mismo reconociera, su vida quedó marcada por tres acontecimientos importantes. El primero de ellos implica que siendo niño enfermó de poliomielitis lo cual afectó la movilidad de sus piernas notablemente por el resto de su vida. Esto no afectó sus estudios pianísticos los cuales se vieron redoblados por su notable fuerza de voluntad y vocación. El segundo acontecimiento que reconoce como importante es la muerte de su madre, la cual llega en el momento en que su imagen internacional comienza a ser reconocida y admirada. El tercero es un accidente que sufre hace poco tiempo en el cual se vieron comprometidas la integridad de sus manos y, por ende, su carrera pianística.




 "Nada me impidió seguir", dijo. "Y aunque los pensamientos más oscuros aparecieron en cada una de estas situaciones, comprobé que no podía detenerme. Que no hay razón para dejar mi vocación. Es una pasión irremediable. Se sigue con ella como motor de la vida, o directamente, se muere".




Hasta el momento ha brindado en casi 50 países del mundo alrededor de 5000 conciertos lo cual es un récord notable para un pianista original de estas latitudes. Actualmente reside en Mónaco y realiza continuos conciertos en diversas salas de América y Europa.




martes, 26 de marzo de 2013

Elton John - Your Song



Elton John



Reginald Kenneth Dwight, más conocido como Sir Elton John,es un cantante, compositor y pianista británico, de rock, glam rock y piano rock.
Se estima que ha vendido entre 200 a 250 millones de sus producciones musicales vendidas en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos.

En el año 2004 la revista Rolling Stone le otorgó el puesto 49 en su lista de los 100 mejores artistas de la historia.

Sus múltiples reconocimientos incluyen el título de Sir luego de ser nombrado miembro de la Orden del Imperio Británico por Isabel II del Reino Unido. De acuerdo con Billboard, es el tercer artista más grande de todos los tiempos en Estados Unidos, solo por detrás de The Beatles y Madonna. También ha colaborado con el lanzamiento musical de artistas como Anastacia.




Fue educado en la Royal Music Academy, gracias a una beca que consiguió en 1958, a la edad de 11 años. Seis años después, en 1964, decide abandonar esta institución para dedicarse a la música rock y comenzó a colaborar con grupos locales como Bluesology, donde conoció al cantante Long John Baldry. Como homenaje a él y al saxofonista Elton Dean adoptó el nombre artístico de Elton John.

A finales de los sesenta, Elton conoció al letrista y poeta Bernie Taupin. Juntos obtuvieron su primer gran éxito en 1970 con el álbum Elton John por la canción «Your Song» (y que se volvió a hacer famosa nuevamente 30 años después con el estreno de la película Moulin Rouge!).

 En 1971 se colocaron cuatro álbumes simultáneamente entre los diez primeros de las listas de Estados Unidos, algo que no ocurría desde The Beatles. También en ese mismo año Elton empezó a desarrollar alopecia, que le conduciría al uso de una peluca años después.




La década de 1970 fue la de su consagración como estrella; comenzó a actuar ataviado con extravagantes disfraces y otros adornos característicos de la época del glam rock usándolos en conciertos multitudinarios. En esa época tuvo grandes éxitos como «Crocodile Rock» (1972), «Bennie and the Jets» (1973) y «Don’t Let The Sun Go Down On Me» (1974). Otro éxito de la época fue «Candle In The Wind» (1973), dedicado a Marilyn Monroe y que volvería a grabar en 1997 en honor de Diana de Gales. Entre 1972 y 1975, siete de sus discos ocuparon los primeros puestos de las listas de ventas británicas.

En 1974 colaboraría con el legendario John Lennon en el tema «Whatever Gets You Thru The Night», del álbum en solitario Walls and Bridges de Lennon, suponiendo todo un éxito con este tema en los Estados Unidos.

En 1975 participó en la película Tommy, dirigida por Ken Russell y escrita por Pete Townshend, guitarrista de The Who. Por aquella época escandalizó a la opinión pública con declaraciones sobre su bisexualidad, aunque posteriormente se casaría con una mujer.




Al entrar la década de 1980, Elton John dejó de lado temporalmente su relación con Taupin, además de que moderó su imagen y su música, haciéndola más melódica. Produjo nuevos éxitos como «I'm Still Standing», «Sacrifice», «Sad Songs», «Little Jeannie» o «Nikita» pero ya con menos frecuencia, y en su vida privada también vivió algunos problemas. El 14 de febrero de 1984 contrajo matrimonio con la ingeniera de sonido Renate Blauel.

En julio de 1985, Elton John participó en el concierto Live Aid realizado en el Estadio de Wembley de Londres en el que también participaron David Bowie, Sting, Eric Clapton, Phil Collins y Queen, entre otros.




En 1986 colaboró con Dionne Warwick en la canción «That´s what friends are for» junto con otros amigos de la cantante, entre ellos Stevie Wonder. La canción se convirtió en un éxito instantáneo.

En 1987 Elton fue operado de las cuerdas vocales debido a los nódulos, típico problema en los cantantes, suponiendo un cambio no tan radical en el timbre de voz que se nota en la canción «Sacrifice» que fue lanzada en 1989.




En marzo de 1991 grabó en vivo junto a George Michael la canción «Don't Let The Sun Go Down On Me» en un concierto en el estadio Wimbledon, donde Elton John era el invitado sorpresa de George Michael.
El dueto se convirtió en un gran éxito en ambos lados del Atlántico. Fue publicado menos de un año más tarde y alcanzó la posición número uno en el Reino Unido durante dos semanas en diciembre de 1991 y fue también número uno en el Billboard Hot 100 durante una semana en febrero de 1992. La canción es el único número uno de la era moderna en ser grabado en exteriores, fuera de un estudio.

El 20 de abril de 1992 compartió escenario con Brian May, Roger Taylor, John Deacon y Axl Rose además de otras figuras como Metallica, David Bowie, Robert Plant y Roger Daltrey en el Freddie Mercury Tribute Concert interpretando «Bohemian Rhapsody» y «The Show Must Go On» en esta última compartió el escenario con el guitarrista de Black Sabbath, Tony Iommi y miembros de Queen.

Elton John, ya renovado y más sobrio, obtuvo un nuevo éxito en 1994 con su participación en la banda sonora de El Rey León en colaboración con Tim Rice, sobre todo con la canción «Can you feel the love tonight». También ganó un Grammy y un Óscar.




El asesinato de su amigo Gianni Versace y la muerte en accidente de tráfico de su también amiga Diana de Gales supusieron para Elton un fuerte golpe en 1997. Obtuvo un rotundo éxito con su homenaje a la princesa Diana, con el tema «Candle in the Wind», que batió todos los récords y resultó ser el single más vendido en la historia de la música, dicho sea de paso Elton John nunca volvió a tocar el tema (al menos con la letra en homenaje a la Princesa Diana, pero si es requerido para tocarla por los miembros de la familia real, el lo haría, solo si se lo solicitasen.

Al año siguiente fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico después recibió un Grammy honorífico por su trayectoria musical.

En el año 2000 colaboró como músico invitado junto a la banda estadounidense Collective Soul, el tema «Perfect Day».

En 2001 grabó una vez más con su letrista de cabecera Bernie Taupin, Songs From the West Coast le siguió en el 2004 el álbum número 43 de su carrera Peachtree Road.

En 2004 inició además su serie de conciertos The Red Piano en Las Vegas que se extendieron hasta 2009.




En diciembre de 2005, Elton John formalizó su relación con su pareja de más de 12 años, el director de cine canadiense David Furnish, al entrar en vigencia la nueva ley británica de uniones civiles homosexuales.

En septiembre de 2006 publica su álbum número 44 llamado The Captain And The Kid que resulta ser la secuela del álbum de 1975 titulado Captain Fantastic And The Brown Dirty Cowboy, ambos discos autobiográficos y aclamados por la crítica.

En 2007, año en que cumplió 60 años de edad y 40 años de carrera artística, estuvo en el sexto lugar de "Personajes Artísticos de Influencia Mundial", del multimedial Forbes. En este año, también, se editó un DVD Especial con su aparición en vivo de marzo de ese año en el New York Madison Square Garden.




En septiembre de 2008 anunció el inicio de una gira por Latinoamérica para enero de 2009 con fines benéficos.
A finales de 2008, Elton John interpretó junto con The Killers la canción navideña para la campaña benéfica Product Red llamada «Joseph, Better You Than Me».

En enero de 2009 ofreció un concierto de beneficencia por la educación en México, y otros particulares en Argentina, Venezuela, Brasil y Chile. También, en este mismo año, Elton John apareció en el videoclip "Who'd Have Known" de Lily Allen, en él la cantante se obsesiona con Elton y lo encierra atado a una silla.

En el año 2010 se reunió con un viejo amigo, Leon Russell, para grabar un álbum a dúo, el cual se tituló The Union. El disco obtuvo ventas comparadas a las de los álbumes de principios de los años 1970, como Blue Moves y Goodbye Yellow Brick Road.

En septiembre de 2011, Elton John anunció su retorno al auditorio El Coliseo del Caesars Palace de Las Vegas para brindar una nueva serie de conciertos titulada Million Dollar Piano que empezó el 28 de setiembre de ese mismo año.

En 2012, Elton John realizó una gira de conciertos por América Latina. Durante el mes de febrero y marzo tocó en Costa Rica, Panamá, Venezuela y México.En esta gira visitó por primera vez en la historia Costa Rica.



Entre sus últimos trabajos destaca su trabajo con Pnau, un dúo australiano de música electrónica, el cual mezcló las canciones de John de los años 70 creando varios sencillos nuevos al estilo dance.
En julio finalmente estrenaron su álbum Good morning to the night el cual alcanzó el N° 1 en las listas británicas 22 años después de la última vez que lo había conseguido. Entre los sencillos destaca "Sad".


En la actualidad Elton John se ha mostrado muy activo en lo que se refiere a sus actividades como músico y sus actividades en favor de la lucha contra el SIDA. Ha tenido diversas disputas con Madonna, un conflicto que comenzó en 2004 y persiste hoy.

El día 26 de septiembre de 2012 fue confirmado para el LIV Festival Internacional de la Canción de Viña Del Mar 2013, que se concreta en Chile, el cuál es transmitido en directo a toda Latinoamérica y todo el mundo vía internet.




Elton John estuvo casado primeramente con Renate Blauel en los años 80, lo que se consideró la mejor actuación de un artista para ocultar su homosexualidad. Como era de esperarse esa relación terminó, se divorciaron y Elton declaró que se sentía cómodo siendo gay. 

Más tarde, a principios de los 90 conoció a un director de cine canadiense de nombre David Furnish con el cual comenzó una exitosa relación. Se casaron por civil en diciembre de 2005. Llevaban siendo novios desde 1993. 
Su primer hijo, nacido por un vientre de alquiler, nació el 25 de diciembre de 2010. Le pusieron por nombre Zachary Jackson Levon Furnish-John y su madrina es Lady Gaga. 
Su segundo hijo, nació el 11 de enero de 2013 y le pusieron de nombre Elijah Joseph Furnish-John. 

En lo que se refiere a su primera familia, Elton nunca pudo relacionarse de buena forma con su padre, de hecho, nunca logró que este asistiera a un concierto suyo. 
Tenía una íntima relación con su abuela, quien lo incentivó a tocar piano y lo apoyó en su camino hacia el mundo de la música, fallecida en 1995.




lunes, 25 de marzo de 2013

Video " High note"

Una divertida partitura...




Teresa Carreño - Un sueño en el mar


Teresa Carreño

María Teresa Gertrudis de Jesús Carreño García, fue una pianista, cantante y compositora venezolana. Ha sido denominada por muchos expertos como la pianista más prolífica de América Latina durante los siglos XIX y XX, y una de las pianistas y compositoras más importantes del mundo, considerando lo inusual de que una mujer de su época se dedicara a esa profesión.



Teresa Carreño comenzó sus estudios musicales desde muy temprana edad al lado de su padre. De hecho, a los cinco años practicaba usando más de 500 ejercicios compuestos por su padre y que se paseaban por las dificultades rítmicas y técnicas más importantes. Estos estudios los continuó con el pianista Julio Hohené y más tarde, con el estadounidense Louis Moreau Gottschalk. A los seis publicó su primera obra dedicada a su Maestro Gottschalk (Gottschalk Waltz), agotada en tres ediciones sucesivas en un sólo año.
El año 1862 la familia Carreño García debe abandonar Venezuela por la difícil situación política y económica que atravesaba el país. El 1 de agosto de 1862, la familia parte a Nueva York dejando a la hija mayor Emilia Carreño Sena, por entonces de 15 años de edad, quien se queda para contraer nupcias. Llegan a la ciudad estadounidense el 23 de agosto, e inmediatamente Teresa comenzó a dar pequeños conciertos privados a amigos de la familia, dando a conocer sus progresos con el piano y acrecentando su fama.

Teresa Carreño realizó su primer concierto en público el 25 de noviembre de 1862 en la sala Irving Hall, de Nueva York. La crítica fue muy favorable a la artista, hasta el punto tal que, después de este concierto y hasta fin de año, tuvo cinco presentaciones más, en especial su actuación exitosa en la Academia de Música de Brooklyn.
En el otoño de 1863, ofreció un concierto privado en la Casa Blanca invitada por el entonces presidente estadounidense Abraham Lincoln. Como Carreño sabía que al Presidente Lincoln le gustaba la música compuesta por su maestro Gottschalk, tocó varias de las piezas de este compositor. Como anécdota refiere el escritor Kenneth Bernard, citando palabras escritas varios años después por la pianista, que la niña se dio cuenta de que el piano del recinto presidencial estaba desafinado y declaró que no tocaría más. Como respuesta, Lincoln le dio unas palmadas en el hombro y le pidió que tocara, una de sus canciones favoritas: "The Mocking Bird" (El ruiseñor). Carreño la interpretó con algunas variaciones, respecto del tema original.




A los 9 años debuta como solista con la Orquesta Filarmónica de Boston y con la Sinfónica de Londres. A los 13 años, se encuentra con su familia en París, donde conoce a celebridades como los compositores Rossini, Gounod, Maurice Ravel, Claude Debussy y Vivier. En el salón de Madame Erard tiene la oportunidad de tocar con Franz Liszt, quien queda asombrado con las facultades interpretativas de la niña. Desde esa corta edad realizó giras en Cuba presentándose en La Habana, Matanzas y Cárdenas.

También se presentó en Estados Unidos en las ciudades de Filadelfia, Miami y Baltimore, entre otras. Con el mismo éxito, debutó en París el 3 de mayo de 1866, y a esta actividad le siguieron varias presentaciones que le permitieron introducirse en el medio musical de la capital francesa. En uno de estos conciertos, conoció al al destacado pianista Hugh Laurié, al compositor italiano Gioacchino Rossini y a la cantante operática Adelina Patti. Estos dos últimos la motivan para que curse estudios de canto, debutando posteriormente como mezzosoprano en la ópera Los hugonotes de Giacomo Meyerbeer.

En 1862, a los 19 años, contrae matrimonio con Emile Sauret, violinista hábil pero una persona irresponsable y débil de carácter. El 23 de marzo del año siguiente nace Emilia Sauret Carreño, producto de ese matrimonio. Teresa se ve obligada a dejar a su hija al cuidado de la señora Bichoff, una amiga alemana, lo que le permite iniciar su gira con su esposo. Dicha gira resultó un fracaso, y eso, aunado a la pérdida del segundo hijo de Teresa, lleva a la disolución del matrimonio. Por esos días también falleció su padre Manuel Antonio Carreño, lo que sumió a Teresa en una fuerte crisis económica, que no le permitió cubrir los gastos que implicaba la crianza de su hija. Le explica esta situación a su "amiga" alemana Bichoff; y ésta le propone adoptar a la niña con la condición de que Teresa no la viese más; la pianista no tuvo otra opción que aceptar la propuesta.



En 1876 Teresa viaja a Boston presentándose como cantante, y conoce al barítono italiano Giovanni Tagliapietra, integrante de la compañía con la que estaba de gira. Se casan el mismo año. De este matrimonio Teresa da a luz a 3 hijos: Lulú (1878), Teresita (1882) y Giovanni (1885) a quienes Teresa dedicó buena parte de su vida y cuya crianza alternó con sus giras y conciertos por los Estados Unidos y Canadá.
Su segunda visita a Venezuela se produce en febrero de 1887, atendiendo a requerimientos artísticos del presidente Guzmán Blanco, que por cierto no tuvieron los resultados esperados por el público caraqueño de la época. Este segundo viaje fue enturbiado por el rotundo fracaso de la compañía de ópera que trajo consigo y por el comportamiento un tanto licencioso de su esposo. Dicha compañía estaba compuesta por 49 músicos que viajaron con la artista para interpretar una ópera italiana financiada por el gobierno de Guzmán Blanco. La noche de la primera función, el director no se presentó y fue cuando Teresa, obligada por las circunstancias, debuta como directora para no suspender la función de la noche de estreno. Aun así, la mediocridad de la compañía y la poca popularidad del gobierno, produjeron el rechazo masivo de esta empresa. Teresa es obligada a mantenerse en Venezuela por una decisión del Tribunal de Comercio del Distrito Federal, consecuencia de una demanda de incumplimiento de pagos a uno de los miembros de la compañía. Finalmente, con ayuda del presidente Guzmán Blanco, Teresa parte a Nueva York el 23 de agosto de 1887.
En ambos viajes a Venezuela Teresa tuvo una permanencia de cerca de un año: de modo que en sus 64 años de agitada vida, solo 10 transcurrieron en su país natal. Sin embargo, conservó hasta el final de su vida su identidad venezolana. Venezolana fue en sus costumbres y gustos domésticos, en muchos rasgos de su temperamento y aún en ciertos toques de su inspiración como compositora, en los que se advierten claras reminiscencias del merengue característico de la patria.
En 1889 Teresa se separa de Giovanni Tagliapietra y viaja con sus hijos a Alemania, donde realizó diferentes conciertos y logró ganar la aprobación de tan difícil escenario, lugar donde se consagra como concertista de fama internacional.




En 1917, poco antes de su muerte, prepara una gira por Sudamérica y antes de iniciar el recorrido sale para Cuba, donde, luego de un exitoso concierto con la Filarmónica de La Habana,sufre serios quebrantos de salud por lo que el médico le aconseja que cancele su compromiso artístico y retorne a Nueva York. Allí le diagnostican parálisis parcial del nervio óptico que amenaza con extenderse al cerebro. Le prescriben un reposo absoluto y una dieta. Pero a pesar de haber tomado las precauciones pertinentes, falleció el 12 de junio de 1917.
Durante el funeral, celebrado dos días después, Louis Kaufman Anspacher, por entonces decano de la Universidad de Columbia, pronunció un discurso en honor a la artista. Durante el sepelio fueron interpretadas obras de Fanny Mendelssohn tales como Mi Dios, acércate a él, Dios secará las lágrimas de mis ojos y ¡Oh!, descansa en Dios.
El ataúd fue llevado en andas por sus colegas Ignacy Jan Paderewski, Mischa Elman, Albert Spalding, Charles Steinway, Ernest Hutcheson, Walter Damrosch, Walter Rothwell, Josef Stránský y Franz Kneisel. Más tarde, sus restos fueron incinerados, de acuerdo a su última voluntad. Sus cenizas fueron traídas a Venezuela en 1938 y desde el 9 de diciembre de 1977 reposan en el Panteón Nacional. En su honor, el principal complejo cultural de Caracas, inaugurado en 1983, lleva su nombre.




A lo largo de su más de medio siglo de vida artística se presentó en los mejores teatros de ciudades como Nueva York, París, Berlín y Milán, además de muchas otras ciudades de Europa, América, África y Australia, realizando interpretaciones destacadas de obras de Ludwig van Beethoven, Liszt, Chopin, Schumann, Johannes Brahms, Edvard Grieg, Antón Rubinstein, Niccolò Paganini, Weber, Richard Strauss, Piotr Ilich Chaikovski, Serguéi Prokófiev, Igor Stravinsky y Serguéi Rajmáninov, entre otros.
Se puede afirmar que Teresa Carreño desempeñó una importante labor como pianista, cantante de ópera, empresaria artística y consejera y maestra de generaciones de artistas de su tiempo. Teresa Carreño señalaba que la cultura general de un artista era indispensable para la proyección específica de su arte particular. Por ello se complacía en señalar en sus clases la importancia de la simple observación de la naturaleza, del estudio de los seres humanos como hombres y como creadores, del conocimiento de la arquitectura, de la narrativa y de la poesía. En cuanto al piano en sí mismo, como instrumento físico de apoyo, conocía las cualidades técnicas y sensitivas del ejecutante.




En los últimos años de la existencia de la pianista, la industria de la grabación musical estaba en sus inicios y el soporte en base al disco había desplazado totalmente la grabación sobre rodillo, desarrollada por Thomas Alva Edison en 1877. Sin embargo, la tecnología de grabación mecánico-acústica que estaba en vigencia, tenía serias limitaciones técnicas por lo que la artista consideró que ese método no era el mejor para registrar sus ejecuciones. Por ello, la artista nunca firmó contrato con compañías discográficas, sino con compañías editoras de rollos para pianola como las empresas estadounidenses "Welter-Mignon" y "Duo-Art". Para la primera de estas empresas, grabó 18 temas el día 2 de abril de 1905 y para la otra, durante el año 1914.