El fagot

El fagot debe su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido.El fagot es un instrumento musical de tubo cónico perteneciente a la familia de viento-madera y provisto de lengüeta doble.

Los instrumentos de la familia del fagot son el fagotino y el contrafagot, además de los instrumentos de la familia del oboe y del heckelfón, por ser estos también instrumentos de tubo cónico en los que el sonido se produce mediante una lengüeta doble.

El fagotino es un fagot en miniatura, más pequeño, más agudo y afinado en Sol aunque los existen también afinados en Si b o en Do agudos. Su tesitura abarca desde el Fa (el Fa más grave posible ejecutado por un fagot). Actualmente está en periodo de extinción debido a su desuso, aunque todavía se construyen considerablemente debido a la facilidad de uso por los más pequeños, que en el fagot no llegarían correctamente a las llaves. A veces es también utilizado por su timbre más chillón y agudo que el fagot.

El contrafagot se desarrolló en el siglo XVIII, pero no se utilizó en la orquesta hasta principios del siglo XIX. Uno de los primeros compositores en incluirlo en una obra fue Ludwig von Beethoven. Al igual que en el fagot, el verdadero desarrollo y mejoras en la construcción del instrumento fueron producidas por Heckel alrededor del año 1850. Se hallan ejemplos de su uso en "Salomé" de R. Strauss, "El Niño y los Sortilegios" y "Mi Madre la Oca" de M. Ravel, así como en numerosas obras de compositores del siglo XX. En la actualidad existen verdaderos virtuosos del contrafagot, pues el sistema de llaves actual lo provée de una asombrosa agilidad.

El repertorio solístico no es muy extenso, solo algunos compositores como el finlandés Kalevi Aho o el americano Gunter Schuller han escrito conciertos para contrafagot con acompañamiento orquestal. Esto es debido a que el contrafagot, a pesar de ser simplemente una octava más grave que el fagot, es un instrumento más rudo, difícil de transportar y un sonido, aunque lúgubre, muy oscuro; que incluso el fagot es capaz de igualar en sus notas más graves.
Aun así, Beethoven lo emplea con efecto admirable en la escena de la cárcel, en Fidelio, además de utilizarlo también en el final de las Sinfonías Quinta y Novena, pero como simple refuerzo de los bajos. En las Variaciones sobre un tema de Haydn, de Brahms, desempeña asimismo un papel importante. Asimismo, Ravel lo emplea en su Concierto para la mano izquierda, para introducir el tema al principio de la obra.

Comienza en la nota Sib0 normalmente, aunque algunos modelos tienen una campana más larga que llega al La 0. Las notas se escriben en clave de fa y a veces en clave de do en cuarta línea, una octava más aguda de lo que suenan para evitar demasiadas líneas adicionales. El contrafagot es uno de los instrumentos que llegan a la octava más grave en una orquesta de instrumentos convencionales. El La más grave corresponde a la última tecla del Piano hacia la izquierda.

El heckelfón es un instrumento musical inventado por la firma Wilhelm Heckel GmbH en 1904. Popularmente se le suele referir simplemente como Heckel.

Es un instrumento de doble lengüeta de la familia del oboe, de mayor tamaño y con un sonido más pesado y penetrante. Está afinado una octava por debajo del oboe y está dotado de una extensión que va del La1 hasta el Sol5. Se quería dotar de un sonido más amplio, parecido al del oboe, en el registro medio a las grandes orquestaciones a inicios del siglo XX. En el repertorio orquestal se suele usar como el bajo de la sección de los oboes incorporándose con el oboe y el corno inglés, llenando el hueco entre oboes y fagots.

El heckelfón se construyó originalmente en tres tamaños, pero sólo se utilizó habitualmente el bajo. Un pequeño heckelfón piccolo fue creado en dos afinaciones distintas en Mi  y Fa por encima de la nota escrita, pero sólo fueron hechos una docena aproximadamente.

El heckelfón ha sido también empleado en música de cámara, siendo una de las más notables muestras el Trío para heckelfón, viola, y piano, Op. 47 (1928) de Hindemith.

El centenario del heckelfón en mayo de 2004 permitió la publicación de un amplio número de artículos en diversas periódicos sobre el instrumento que consiguieron una relativa difusión y publicidad.

Ahora el fagot ocasionalmente está considerado como el bajo de la familia del oboe. Su tesitura es de 3 octavas y media y se puede dividir en 4 registros: grave, medio, agudo y sobre agudo.

El fagot tiene una altura de 156 cm. aproximadamente y una longitud total del taladro de 250 cm. El fagot debe su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido de los instrumentos de viento.

Las partes principales son la campana que remata el instrumento, el cuerpo grave, la culata (es la parte inferior del instrumento y donde el tubo cambia de dirección por medio de un codo metálico), la pieza tudelera (donde se inserta el tudel), el tudel y la caña. El aire recorre desde la caña hacia el tudel, la tudelera, culata, cuerpo grave y campana.

La caña del fagot está formada por una lengüeta doble. Se denomina así porque se trata de una pieza de caña (arundo donax) rebajada por el centro llamada "pala" y plegada por la mitad. Una vez montada la caña se practica un corte en su borde más fino para que pueda pasar el aire. El aire, al pasar por los bordes de las palas se pone en vibración y dicha vibración se transmite a la columna de aire alojada en el interior del tubo. A diferencia del oboe (que también utiliza lengüeta doble), además de superponer las dos palas estas deben formar un tubo para poder colocarlas en el tudel. Una vez terminado el montaje de la caña el fagotista debe rasparla con un cuchillo o lija suave hasta obtener la vibración adecuada. Con un rígido borde de madera superior fagotisado.

Como ocurre con la mayoría de instrumentos integrantes del muestrario instrumental europeo, el fagot cuenta con famosos precedentes, uno de los cuales puede reflejarse en el impulso que llevó a los músicos romanos a ampliar en su parte grave el aulos (una especie de oboe, legado por los griegos, que en el mundo latino tomó el nombre de tibia bassa, la cual, aún tratándose de un lejano embrión, puede considerarse como el primer intento efectuado dentro de una larga genealogía de instrumentos creados para tal menester).

El fagot, que recibió en algún momento en España la designación de bajón, vivió su expansión en los siglos XVII y XVIII, y, aunque al principio sus funciones las ejerció mayoritariamente dentro de la música eclesiástica, reforzando las voces de los cantores, su presencia en el arte secular arreciaría con el tiempo. Las obras de Castelli (1621), Marini (1626), Selma y Salaverde (1638), Valentini (1639) y Bertali (1645) atestiguan el aprecio hacia el instrumento, estima que compartió Heinrich Schütz, quien en su simphoniae sacrae (1629) le confirió un trato particular. Ya en el siglo XVIII gozó de madurez suficiente como para afianzar su presencia en el campo orquestal y solístico; baste recordar los conciertos escritos para fagot por Vivaldi, todos ellos de corte magistral, o en papel preponderante que le dispensaron compositores como Johann Sebastian Bach, Haendel, Telemann, Fux, Johann Stamitz, Johann Christian Bach y Carl Philipp Emanuel Bach, quienes abrieron la senda para que su timbre hondo y umbrío fuera protagonista de los excelentes conciertos fagotísticos de Mozart y Weber. También es interesante el concierto que compusiera un músico español, Anselmo Viola (1738-1798), monje del monasterio de Monserrat cuya celebridad se debe tanto a sus obras como al hecho de haber sido maestro de Fernando Sor.

La fisonomía del instrumento se mantuvo bastante fiel desde su origen hasta mediados de siglo XVIII, pero a partir de ahí su evolución fue importante. El fagot construido por Brujin (h.1730) tenía cuatro llaves —otras opiniones defienden que el ejemplar de Brujin data de 1751—, y en 1760 el artesano inglés Kusder le agregó una más; su número se incrementó de manera paralela a su desarrollo, que a principios del siglo XIX fue considerable por la nitidez de su sonido y de su amplio registro. El carácter con el que hoy se conoce el instrumento se debe básicamente a los perfeccionamientos llevados a cabo entre 1820 y 1830 por Jean Nicolas Savary, cuyas mejoras se vieron reforzadas por la incorporación del sistema de llaves de Theobald Böhm, que aplicara al fagot el artesano Triebert en 1855. Coronación de todos los esfuerzos emprendidos fue la aportación del célebre constructor Johann Adam Heckel (1812-1877), quien introdujo plurales soluciones técnicas que reflejó en un tratado, editado en 1899.

El fagot, pertenece a la familia de viento-madera, y como instrumentos relativos tiene al fagotino y el contrafagot. Otros instrumentos cercanos también son el oboe y el corno inglés por ser estos otros instrumentos de caña doble. El fagotino es un fagot en miniatura, más pequeño, más agudo y afinado en Sol. Se emplea para la enseñanza a niños debido al gran peso del fagot, como, por ejemplo, pasa con la tuba y el bombardino. El contrafagot es más grande que el fagot. Su peso es de 10kg y mide 160 cm. También es de madera, menos la campana que es de metal. Está en Do como el fagot; acabado en 3 octavas, su nota más grave es el Si b como el fagot, pero algunos acaban en La. Suena una octava más grave que el fagot, utilizando la clave de Fa en tercera, y el fagot en fa en cuarta; pero se utiliza también la clave de fa en cuarta pero transportando una octava.

El oboe es un instrumento similar en apariencia al clarinete, con un timbre muy especial, un poco oscuro y misterioso. Esto se debe a que también es un instrumento de doble caña. El corno inglés es un instrumento un poco más grande que el oboe, que suena más grave. También usa una boquilla con doble caña.

En las orquestas modernas se suele disponer de dos a cuatro fagotes para que haya un contrafagot cuando sea necesario y uno de ellos hace de solista. Su timbre lo hace adecuado para tonos líricos o cómicos.

Combina muy bien con los otros instrumentos de doble caña, se suele usar para acompañar solos de oboe o corno, y su utilización para presentar pequeñas partes solistas o formando dúos con los vientos es también muy habitual.

En música de cámara normalmente se usa como bajo para casi cualquier combinación de viento madera. Incluso hoy en día tienen un éxito considerable los cuartetos de fagotes.

En la música barroca interpreta la línea del bajo continuo la mayor parte de las veces, a excepción de los conciertos para fagot solista o las sonatas para fagot. En la actualidad cada vez tiene una mayor presencia en las bandas, habiendo hasta cuatro fagotes y contrafagot. Aunque no hay muchos papeles antiguos de banda para fagot.

En las bandas de Jazz se usa muy poco, sin embargo, en los 60, Yusef Lateef o Chick Corea incorporaron el fagot en sus grabaciones, además de bandas de Rock Progresivo como Gryphon o Henry Cow. Más recientemente, Illinois Jacquet y Frank Tiberi han añadido el fagot a sus usuales grupos de saxofones. Karen Borca, un ejecutante del jazz libre, es uno de los pocos músicos del jazz que sólo usan el fagot; Michael Rabinowitz es otro, al igual que el fagotista español Javier Abad. Lindsay Cooper, Paul Hanson y Daniel Smith también están usando el fagot en el jazz.

Existen dos sistemas modernos de fagot: alemán y francés. En la mayor parte del mundo se toca el sistema alemán, siendo Francia el país donde existe una gran escuela de fagot francés. El sistema alemán es también conocido como sistema Heckel, en honor a Wilhelm Heckel, constructor alemán que logró un gran equilibrio y afinación en su nuevo sistema de llaves (1831).

Sistema Heckel o alemán:

El sistema Heckel fue desarrolado por el alemán Carl Almenräder a partir de 1823. Asistido por el investigador acústico alemán Gottfried Weber construyó el fagot de 17 llaves que alcanzaba 4 octavas. Las mejoras de Almenräder al fagot comenzaron con un tratado en 1823 en el cual él describió maneras de mejorar la entonación, la respuesta, y la facilidad técnica de tocar por medio de aumentar y de cambiar el sistema de llaves; los artículos siguientes desarrollaron sus ideas. El trabajo en la fábrica de Schott le dio los medios de construir y de probar los instrumentos según estos nuevos diseños, los resultados de los cuales fueron publicados en Caecilia, diario de la casa de Schott; Almenräder continuó publicando y construyendo los instrumentos hasta su muerte en 1843. Ludwig van Beethoven solicitó uno de los instrumentos recién hechos después de oír hablar de los artículos. Almenräder dejó Schott para comenzar su propia fábrica junto con el socio Johann Adam Heckel en 1831.

Heckel y dos generaciones de descendientes continuaron refinando el fagot, y es su instrumento el que se ha convertido en el estándar para que otros fabricantes del instrumento sigan construyendo. Debido a su calidad superior del tono (una mejora sobre una de las desventajas principales de los instrumentos de Almenräder), los instrumentos de Heckel compitieron por la prominencia con el sistema reformado de Fráncfort, al estilo del sistema Boehm para flautas, y un instrumento ideado por C. J. Sax, padre de Adolphe Sax . A partir de 1893, un sistema reformado lógico de la digitación fue iniciado por F.W. Kruspe, pero no pudo prosperar. Otras tentativas de mejorar el instrumento incluyeron un modelo de 24 llaves y una boquilla de una sola caña, pero ambas dieron un sonido distinto y fueron abandonadas.

En el siglo XX el modelo alemán del Heckel fue el claro dominante; Heckel mismo había hecho más de 4000 instrumentos en el siglo anterior y los instrumentos ingleses no eran muy apreciados. Hoy, la fábrica de Heckel y los fagotes de Heckel son considerados los mejores, aunque existe una gama de diversos fabricantes, todos con diversas modificaciones de sus fagotes. Las compañías que fabrican fagotes son (entre otras): Yamaha, Fox, Schreiber, Moosman, Püchner, Signet, Kohlert, B.H. Bell, Amati y Sonora. Hay también fabricantes pequeños que hacen instrumentos a medida para necesidades especiales.

Sistema Buffet o francés:

El fagot del sistema Buffet, que se estableció poco antes que el Heckel, se ha modificado de una manera más conservadora. Mientras que el desarrollo del fagot de Heckel se puede caracterizar como reacondicionamiento completo del instrumento de una perspectiva acústica y del sistema de llaves, el sistema Buffet se centró sobre todo en mejoras incrementales al sistema de llaves. Este acercamiento menos radical priva al fagot del sistema Buffet de la consistencia mejorada, y así la comodidad de uso, y aumentó la energía encontrada en los fagotes del linaje de Heckel, pero el sistema Buffet es considerado por algunos por tener una calidad más vocal y más expresiva. (el director Juan Foulds en 1934 lamentó el dominio del fagot Heckel, en su opinión por ser demasiado homogéneos parecidos en sonidos al corno).

Aunque el sistema francés alguna vez fue favorecido extensamente en Inglaterra, los instrumentos Buffet solo se fabrican en Francia, por lo que los intérpretes ingleses comenzaron a abandonar el sistema francés en los años 80. Sin embargo, su uso continúa en algunas regiones y por su timbre distintivo, el fagot Buffet continúa teniendo un lugar en el fagot moderno, particularmente en Francia. Los fagotes del sistema Buffet se hacen en París por Buffet-Crampon y Selmer.

Fagotistas famosos

-Désiré-Hippolyte Dihau del cual hay un cuadro de Edgar Degas de 1870.

-Barón von Duernitz, para el cual Mozart compuso un concierto.

-Georg Friedrich Brandt.

-Hugo Burghauser.

-Antoine Dard (1715-1784).

-Étienne Ozi (1754–1813): fagotista, compositor, pedagogo

-Carl Almenräder (1786–1843): fagotista, diseñador de instrumentos, compositor

-Louis Marie Eugène Jancourt (1815–1900): fagotista, diseñador de instrumentos, compositor, pedagogo.

-Julius Weissenborn (1837-1888):fagotista, compositor, pedagogo.

-Archie Camden (1888–1979): fagotista, pedagogo.

-Simon Kovar (1890–1970): fagotista, arreglista, pedagogo.

-Sol Schoenbach (1915–1999): fagotista, pedagogo.

-Leonard Sharrow (1915–2004): fagotista, pedagogo.

-Maurice Allard (1923–): fagotista, arreglista.

-Sherman Walt (1923-1989): fagotista, pedagogo. solista de la Boston Symphony Orchestra de 1953–1989.

-Mordechai Rechtman (1925–): fagotista, pedagogo, arreglista director. Solista de la Israel Philharmonic durante 45 años.

-Bernard Garfield (1928–): fagotista, pedagogo, solista de la Orquesta de Filadelfia de 1957–2000.

-William Waterhouse (1931-2007): fagotista, pedagogo, Royal Northern College of Music.

-Walter Ritchie (1936–): fagotista, pedagogo, Los Angeles Philharmonic Orchestra.

Actuales:

-Gilbert Audin

-Danielle Damiano

-Dag Jensen

-Laurent Lefèvre

-Eberhard Marschal

-Gustavo Núñez

-Stefan Schweigert

-Ovidio Danzi

-Klaus Thunemann

-Milan Turkovic

-Matthew Wilkie

-Sergio Azzolini

-Corrado Dabbene

-Wendy Holdaway

Los principales libros para el aprendizaje del fagot son: Julius Weissenborn, Ludwig Milde, Alamiro Giampieri y Karel Pivonka.

Dado el tamaño del instrumento, no se empezaba hasta por lo menos los 13 años, sin embargo, la fabricación de fagotinos a partir del siglo XIX facilitó el acceso a los más pequeños. Hoy en día se comienza a la misma edad que los demás instrumentos sin necesidad de comenzar por el fagotino en caso de que los dedos lleguen a las llaves.

El fagot se toca normalmente sentado. Como pesa mucho se debe sujetar al cuerpo del fagotista ya sea con una correa sobre la que se sienta o con un arnés. El instrumento se sujeta igual que el saxo tenor, en el lado derecho del fagotista. La mano izquierda se pone en las llaves de arriba y la derecha en las de abajo. Algunos fagotistas se ponen abajo un accesorio llamado muletilla que sirve para separar la mano del instrumento y tener los dedos más libres.

Con el fagot se pueden realizar muchas técnicas especiales tales como el trino, el vibrato, armónicos, respiración continua o multifónicos, etc.

 Literatura orquestal:

Barroco

Antonio Vivaldi escribió 39 conciertos para fagot (dos de ellos conservados de forma incompleta). Este número se debe a que Vivaldi escribía partes expresamente para las jóvenes intérpretes del Ospedale della Pietà, un orfanato para niñas y adolescentes. En algunas partituras aparecen incluso sus nombres.

Clasicismo

-Johann Christian Bach, Concierto para fagot en Si bemol mayor, Concierto para fagot en Mi bemol mayor.

-Johann Nepomuk Hummel, Concierto de fagot en Fa mayor, W75.

-Wolfgang Amadeus Mozart, Concierto para fagot en Si bemol mayor, K191.

-Franz Danzi, Concierto para fagot en Fa Mayor.

-Carl Stamitz, Concierto para fagot en Fa Mayor.

-Johann Baptist Vanhal, Concierto para fagot en Do Mayor, y Concierto para dos fagotes en Fa Mayor.

Durante la segunda mitad del siglo XVII, el fagot se incorporó a la orquesta, formación en la que desde entonces aparece de forma regular. En el siglo XVIII, comenzó a abandonar su papel de bajo, lo que coincidió con su progresivo afianzamiento como instrumento solista. Durante el Romanticismo, numerosos constructores hicieron cuanto estuvo en su mano para mejorar las cualidades sonoras del fagot. Sin embargo, los problemas técnicos no se solucionaron hasta la década de 1820, de la mano de Carl Armenraeder y Johann Heckel.

Romanticismo

-Carl Maria von Weber, Andante e rondo ungarese en do menor, op. 35

-Carl Maria von Weber, Concierto para fagot en Fa mayor, op. 75

-Edward Elgar, Romanze en Fa mayor para fagot y orquesta.

Contemporánea

-Hindemith, Sonata para fagot y piano(1938).

-John Williams, Five Sacred Trees: Concierto para fagot y orquesta(1997).

-Richard Strauss, Concertino para clarinete y fagot (1948).

-Francis Poulenc, Trio para oboe, fagot y piano (1926).

-Heitor Villa-Lobos, Ciranda das sete notas.

-Richard Strauss, Duetto concertino para clarinete y fagot con cuerdas y arpa.

-David Johnstone, Sonata Lirica para fagot y piano (2004).

Pasajes famosos del fagot en la orquesta:

-Las bodas de Fígaro de Wolfgang Amadeus Mozart, solo.

-Concierto para violín de Ludwig van Beethoven, solo del 1er, 2do y 3er movimientos.

-Sinfonía fantástica de Hector Berlioz.

-Scheherezade de Rimsky-Korsakov.

-Sinfonía n.º 6 "Patética" de Piotr Ilich Tchaikovski.

-Sinfonía n.º 2 de Piotr Ilich Tchaikovski, solo.

-Sinfonía n.º 4 de Piotr Ilich Tchaikovski, solo.

-Sinfonía n.º 5 de Piotr Ilich Tchaikovski, solo.

-Romeo y Julieta fantasy overture de Piotr Ilich Tchaikovski, solo.

-En la gruta del rey de la montaña de Edvard Grieg.

-El aprendiz de brujo de Paul Dukas, usado en la película Fantasía.

-Rapsodia española de Maurice Ravel.

-Bolero de Maurice Ravel.

-La consagración de la primavera de Ígor Stravinski, empieza con el famoso solo de fagot con notas muy agudas.

-El pájaro de fuego de Ígor Stravinski, en el año 1945.

-Pedro y el lobo de Sergéi Prokófiev, el tema del abuelo.

-Concertino para guitarra y orquesta de Salvador Bacarisse, 4to. movimiento.

Mozart - Concerto for Flute and Orchestra

La flauta

Se denomina flauta a un tipo de instrumento musical de viento. Por la sencillez de su construcción, puede que sea uno de los instrumentos más antiguos, pues con diversas formas se encuentra en todas las culturas.

Un grupo de investigadores ha descubierto el instrumento musical más viejo del mundo, una flauta hecha de hueso de aves y marfil de mamut, que tiene entre 42.000 y 43.000 años de antigüedad. El hallazgo se ha producido en una cueva al sur de Alemania, en donde también se hallaron evidencias de una temprana ocupación de Europa por parte de los Homo Sapiens.

Para los expertos, la música hace 43.000 años pudo haber tenido implicaciones muy profundas. Algunos investigadores opinan que la música puede haber sido uno de los comportamientos clave para la especie humana, que la ayudó a darle una ventaja sobre los Neandertales, de naturaleza más conservadora.

La música era utilizada en muchos contextos sociales: posiblemente religiosos, posiblemente recreacionales. Muy parecido a como se usa la música hoy, en diferentes escenarios.

La flauta: El origen



Consta de un tubo (largo,o pequeño), generalmente de madera o metal (pero también de hueso, marfil, cristal, porcelana, plásticos o resinas, etc.) con una serie de orificios y una boquilla, en el borde del cual (bisel) se produce el sonido: el aire puede llegar directamente de los labios del ejecutante (como en la flauta traversa o travesera, el bansuri de la India o el shakuhachi japonés), o introduciéndose antes en un canal enfocado al bisel (como en la flauta dulce). En algunas culturas también existen flautas que se tocan a través de la nariz.

Abriendo o cerrando los orificios del cuerpo (tubo) del instrumento se cambia la longitud del aire vibrante dentro del tubo, definiendo así la altura del sonido. Los orificios se tapan en algunos casos directamente con la yema de los dedos, en otras con llaves. En su sentido más elemental, para producir una escala ascendente se descubren secuencialmente los agujeros del instrumento, desde el más alejado de la boquilla (o elemento productor del sonido) hasta el más cercano; para obtener sonidos de octavas superiores pueden utilizarse armónicos, en algunos casos con la ayuda de digitaciones cruzadas (en éstas la organización de los dedos de tapar/destapar agujeros puede parecer estar dispuesta de manera arbitraria).

A pesar de que puede estar construida en madera o metal, la flauta se cataloga dentro de la familia de viento de madera, ya que el esquema de producción de sonido se mantiene inalterado; en los instrumentos de viento de madera, se produce el sonido mediante la vibración de una o varias cañas o secciones del instrumento (en el caso de la flauta, el bisel de la embocadura, o en la "boca" de las flautas dulces), mientras que en los instrumentos de viento de metal, son los labios los que vibran para producir sonidos, tipo trompeta.
Para tocarla hay dos maneras de embocarla: de frente, en casi la mayoría de las flautas, y de lado, soplando por un orificio situado en el lateral, en la flauta travesera.

El sonido de la flauta traversa es asimilado con dioses. Una nota de ésta es capaz de calmar al mundo, fue una de las frases más escuchadas durante la Edad Media.

La flauta es el instrumento musical más antiguo y más generalizado.

Le dieron los romanos los nombres de tibia, fístula y cálamus porque solía hacerse del hueso llamado tibia o de una caña vegetal o metálica. Se han hallado en antiguas ruinas no pocas de estas flautas griegas y romanas de hueso y de bronce.

Se encuentran a menudo en las excavaciones de ciudades romanas unos cilindritos huecos de sección de tibia con un orificio lateral a manera de flauta reducida que parece debieron servir de silbatos. Más antiguas que todas ellas son, sin duda, las flautas egipcias de caña y de hueso y de sencillas formas.

La flauta del dios Pan o syrinx que consta de una serie de tubitos yuxtapuestos y de magnitud decreciente se halla dibujada en antiguos relieves griegos y en pinturas romanas con idéntica forma a la que hoy tiene.

Tipos de flautas:


- Flauta travesera


La flauta travesera, traversa, o transversa, es un instrumento musical de viento-madera. El músico que toca la flauta es conocido como flautista.
Los materiales que se emplean en la flauta pueden comprender entre madera, oro, plástico, alpaca (más conocida como plata alemana) que es de lo que generalmente están hechas las flautas para los alumnos principiantes y por último podemos encontrar de forma completa o combinada la plata, el oro e incluso el platino. El uso de los diferentes tipos de materiales vendrá determinado primeramente al gusto del flautista pero hay otros factores que pueden decidir qué material preferir, como por ejemplo la proyección del sonido en los diferentes tipos de materiales y su calor. Por ejemplo, el calor del sonido de una flauta de oro es cálido mientras que el de una flauta de plata es más brillante. Los materiales metálicos de la flauta se suelen combinar entre las diferentes partes de las flautas. Suele hacerse así por motivos económicos, como por ejemplo tener una flauta con la cabecera de plata y el resto de alpaca, o la flauta entera de oro y las llaves de plata.

Su registro básico es de tres octavas y va desde el do3 (el sonido de la tecla central del piano, que en la nomenclatura anglosajona se llama C3) hasta el do6. Ese registro puede ampliarse hasta a tres octavas y una quinta justa, desde el si2 hasta el fa#6; la nota grave adicional se consigue mediante una llave adicional (es importante hacer notar que las flautas más costosas se fabrican con llaves adicionales, para alcanzar si bemol 2, por ejemplo), y el extremo agudo (esa quinta justa que va del do#6 al fa#6), se logra mediante la ejecución de armónicos, técnica que depende de la capacidad del ejecutante, que debe ser adquirida con práctica y un estudio riguroso de la sonoridad.

El origen de la flauta es ciertamente remoto. La flauta travesera tradicional estaba fabricada en madera, y básicamente consistía en un tubo en el cual se practicaban los pertinentes orificios.  Las tendencias musicales de esta época buscaban instrumentos homogéneos, mezclados en grupos heterogéneos: el comienzo de la orquesta sinfónica. La jerarquía sonora impuesta por las reglas de orquestación queda reservada para la flauta en do y el piccolo, que es empleado en la orquesta sinfónica. Para la flauta se comienza a desarrollar el repertorio solista. El sonido producido por la flauta travesera todavía era inconstante, pero más fuerte, claro y penetrante que el de las flautas dulces.

El período renacentista marcó popularidad para la flauta de pico, sin embargo, las flautas traveseras todavía se seguían tocando en la primera mitad del siglo XVII y los instrumentos de viento de madera fueron rediseñados. Las flautas estaban construidas en una sola pieza, eran cilíndricas y tenían seis orificios muy pequeños, lo que producía una sonoridad de colores pálidos.

La era barroca marcó el retorno de la popular flauta travesera. Su construcción fue hecha en un tubo cónico que contenía seis agujeros abiertos agrupados en dos secciones y una llave cerrada cubría, que producía el Re sostenido. El cuerpo, antes de una sola pieza, fue realizado en tres partes: cabeza, cuerpo y pie.


La flauta barroca empieza sus alturas en Re y tenía dos octavas. Otras notas podían tocarse intercalando dedos o tapando la mitad de los orificios, pero eran difíciles de tocar y de sonoridad opaca.
Alrededor de 1700, el cuerpo fue dividido en dos partes y pies extras, llamados cuerpos de recambio, lo que permitía al flautista adaptar su afinación de acuerdo a diferentes orquestas. De todas maneras, con las posiciones cruzadas, las flautas tenían mejor respuesta sonora en Re mayor y Sol mayor. Si bien había muchos flautistas, los flautistas profesionales lograron adaptarse a los cambios muy bien.

En 1722 se inventan las llaves de Do y Do#. El flautista y compositor J. Quantz critica mucho esta prolongación, que juzga inútil y nociva para la calidad del sonido.
En 1752, los tratados de Quantz y Tromlitz (en 1786), ofrecen diferentes digitaciones para cada nota.
En 1760 los fabricantes Florio, Gedney y Potter agregan las llaves de Sol#, Si y Fa.
Alrededor de 1790 aparecen flautas de 4 llaves en la música sinfónica de Haydn y Mozart.

Durante el período clásico, Pratton, Carta, Siccama y Radcliff contribuyeron a diseñar la flauta. Antes de 1800 sólo tenía seis llaves, poco después se le agregaron dos llaves más. En la segunda mitad del siglo XVIII, se le agregaron muchos cambios rápidamente, pocas personas continuaron tocando las flautas de 3 y 4 llaves. Los inventos se sucedieron a una velocidad creciente; era la época de la industrialización...

En 1800 las flautas aparecen en el repertorio de orquesta, como las sinfonías de Beethoven. En 1808, el Reverendo Frederick Nolan en Inglaterra inventó la llave abierta de Sol. Este invento es muy importante, ya que por primera vez se obturan dos agujeros para el mismo dedo. En 1810 Georges Miller fabricó en Londres pífanos de metal. En 1820-30, el flautista Charles Nicholson en Londres intentó mejorar la flauta haciendo los agujeros más grandes, pero no tuvo éxito porque el mecanismo de las llaves no era correcto. Los fabricantes Rudall & Rose fabricaron en Londres flautas de 8 llaves, que fueron muy populares en Inglaterra.

El flautista alemán Theobald Boehm, estudió las nuevas técnicas de flauta y en 1832, basado en un nuevo sistema, creó la flauta que se usa hoy en día. Entre sus fundamentos encontramos que los agujeros debían ser lo más anchos posible y estar en los lugares acústicamente correctos; que la flauta contendría un cierto número de llaves cubriendo todos los agujeros y que todas las llaves tenían que estar abiertas en su posición de descanso (en principio incluso el sol #, aunque por presiones exteriores se modificó posteriormente y actualmente es cerrado en su posición de descanso). Las nuevas flautas estaban realizadas en un tubo cónico, y en 1846 Boehm creó el tubo cilíndrico moderno con una cabeza parabólica. Esto corrigió la afinación y homogeneizó el timbre en los diferentes registros. A medida que el tiempo pasó, las flautas se construyeron en metal. Más duro el metal, más luminoso el timbre. 

Hoy, la flauta moderna está construida sobre 673 milímetros de largo con un tubo de 19 milímetros y está dividida en tres secciones que contienen la juntura de cabeza, cuerpo, y pie. Hay trece agujeros que usan ocho dedos y el dedo pulgar izquierdo. La juntura de cabeza se cierra con un corcho y está abierto hasta el pie . El material más común es la plata esterlina, pero algunos modelos más baratos son el níquel color de plata. Se ha experimentado con Platino, Auromite (oro y plata), Titanio e incluso Paladio. También se ha agregado una llave con rodillo para el Re # y un mecanismo de Mi partido que permite cubrir dos llaves, mientras en una flauta regular, cubre sólo uno. Esto le permite al Mi 3 ser tocado más limpiamente y con un buen ataque. El diseño de la embocadura se ha cambiado según las necesidades del flautista. El flautín, la flauta en sol, y la flauta baja, se han usado en orquesta y coros de flauta durante el siglo XIX. Al final de ese siglo la flauta aparece en las obras de Brahms, Strauss, Tchaikovsky. La literatura para flauta sola se expande rápidamente, con piezas muy virtuosas.

En 1948 - Alexander Murray, conocido flautista y maestro, colaboró con los fabricantes Albert Cooper y Elmer Cole, en la fabricación de la Flauta "Murray" - basada en la escala experimental Cooper. 1961-62 - Aparece el nuevo modelo de Murray, la Mark I. 1967 - Murray colabora con el fabricante de la compañía Armstrong Jack Moore. Desde 1972, producen el modelo en flautas y piccolos con otros cambios - la llave gizmo, entre ellos. La compañía Brannen fabrica el sistema Kingma, muy utilizado en obras contemporáneas. Sus llaves están preparadas para emitir sonidos con timbres muy diferentes a los convencionales.

- Flautín o «piccolo» 

El flautín, s un instrumento de viento madera en tonalidad de Do. Se trata de una flauta pequeña. Físicamente, el flautín es como la flauta travesera pero con un menor tamaño. El timbre es parecido, pero una octava más alto. Por ello, se dice que el flautín es un instrumento transpositor; es decir, su sonido real es diferente al escrito: las notas a interpretar en el flautín se escriben una octava más baja que su sonido real, para evitar demasiadas líneas adicionales en el pentagrama.

El sonido del flautín es penetrante y se caracteriza por su tono agudo. De hecho, el flautín tiene el timbre más agudo de todos los instrumentos orquestales. La sonoridad del flautín, especialmente en las notas más altas, es muy penetrante, por lo que sobresale aunque todos los instrumentos estén siendo ejecutados.

Puede ser fabricado todo de metal o de madera el cuerpo y las llaves y embocadura de metal.

A pesar de esta presencia constante del flautín, producida por su agudo sonido, el flautín puede utilizarse para interpretar tanto piezas delicadas y tranquilas como alegres y poderosas.

Se utiliza en las orquestas, aunque más frecuentemente en las bandas militares.

- Flauta dulce o «de pico».

La flauta dulce o flauta de pico es un instrumento de viento muy antiguo. Popular desde la Edad Media hasta finales del Barroco, fue quedando relegado su uso al desarrollarse la orquesta clásica, poblada de instrumentos más sonoros. A partir del siglo XX retorna de los museos, en principio por el interés de interpretar la música renacentista y barroca con sus instrumentos originales, pero su difusión mundial se basa en las posibilidades pedagógicas como herramienta para la iniciación musical.

A partir del Renacimiento la flauta dulce se construye utilizando y formando familias que asemejan la distribución tonal de la voz humana, mediante conjuntos también comunes en los instrumentos de cuerda (violín; viola; violonchelo y contrabajo).

Por este motivo existen flautas dulces de menos de 15 centímetros de longitud, hasta modelos de más de 2 metros y medio. Las más difundidas y conocidas -sin embargo- son la flauta dulce soprano, instrumento común en las escuelas para iniciación musical, y la flauta dulce contralto o también llamada a veces flauta dulce alto. Todas tienen una tesitura de dos octavas y media, y en general son instrumentos afinados en Do o en Fa.

La flauta dulce se sostiene en posición vertical, con la mano izquierda más cercana a la embocadura. Una técnica correcta implica atender a la emisión del sonido, su articulación, y la digitación que permite generar las distintas notas.

La emisión es de carácter "natural", evitando la idea de "soplar". La embocadura, del instrumento es un "bloque" (A) dentro del cual un canal de viento (B) dirige el aire directamente contra un borde afilado o lengüeta (C), que transmite su vibración de aire hacia la columna de aire dentro de la flauta. Por este motivo es relativamente sencillo producir sonidos, aunque la posición de la boca produce variaciones notables en la calidad y timbre del instrumento.

La articulación es fundamental para la separación entre notas, permitiendo la expresión de la interpretación. La técnica de articulación es común a prácticamente todos los instrumentos de viento, y consiste en el llamado "toque de lengua" , cuyas variantes producen distintos modos.

En el Siglo XVII se produjeron varios cambios en la construcción del instrumento, resultando en lo que se conoce como "flauta dulce" . Las innovaciones permitieron esta marca en una tesitura de dos octavas y media cromáticas, y la obtención de un timbre más "dulce" que los modelos anteriores.

Para esta flauta dulce fue que Bach escribió su 4º Concierto brandenburgués en Sol mayor, a pesar de que Thurston Dart sugirió erróneamente que fue escrito para flageolets.

Realmente, Bach escribió esta obra para dos "flauti d'echo", o flautas de eco, un ejemplo de las cuales sobrevive hasta hoy en Leipzig. Consiste en dos flautas dulces en fa, conectadas por pestañas de cuero, de forma que una de ellas se usa para tocar "forte" , la otra "piano".

Antonio Vivaldi escribió tres conciertos para "flautino", un instrumento que se pensaba correspondía al píccolo. Actualmente se acepta que realmente, se trataba de la flauta dulce sopranino. Sin embargo en uno de los manuscritos de estos conciertos se puede leer la indicación "strumenti alla quarta bassa" , hecho que ha llevado a formular la hipótesis que en realidad el instrumento pensado por Vivaldi para estos conciertos era la flauta dulce soprano.Esta hipótesis está avalada por la muy escasa presencia de la flauta dulce sopranino en el barroco tardío y varias referencias al "flauto piccolo" o "flautino" indicando la flauta soprano en re o en do.

La flauta dulce renació a principios del Siglo XX, gracias al interés de los intérpretes de música renacentista y barroca en utilizar los instrumentos originales de aquellas épocas. Uno de los principales impulsores de su uso fue Arnold Dolmetsch en el Reino Unido, quien junto a otros estudiosos e intérpretes en Alemania ayudó a difundir el instrumento.

Parte del éxito de la flauta dulce es su pobre reputación de "instrumento para niños". Esto se debe a la facilidad de generar sonidos, aunque dicho esto, muy pocos principiantes logran sonidos agradables, aun así siendo la cabeza de plástico y digitación alemana, teniendo este instrumento la misma dificultad que cualquier otro. Otra característica por la cual se subestima la flauta de pico es la creación de las flautas de digitación alemana ya citadas, que es más fácil que la digitación barroca, la digitación barroca de material madera es la que se debe aprender para tocar a nivel profesional y estudiar este instrumento en un conservatorio. Sin embargo, es incorrecto suponer que la maestría es fácil, pues no es fácil como en ningún instrumento; como cualquier instrumento este requiere de mucho estudio y talento para tocar en un nivel avanzado.

- Flauta traversa celta

- Flauta de pan

Las flautas de Pan son un conjunto de instrumentos de viento compuestos de tubos huecos tapados por un extremo que producen sonidos aflautados.

Tipos: 

- La zampoña

En el altiplano andino (zona de la cordillera de los Andes compartida por Ecuador, Perú, Bolivia, Colombia, Argentina y Chile) existían desde la época precolombina dos tipos de zampoñas nativas llamadas siku o sikuri, que siguen siendo utilizadas en la música folclórica.

Existe una tercera zampoña andina conocida como "rondador", que se piensa tuvo su origen en el Ecuador, también durante la época precolombina y es muy similar al capador, una zampoña cuyo sonido se asemeja al trino de los pájaros que fue utilizada por los chibchas en rituales religiosos.Debe considerarse también como una variedad de la zampoña al humilde instrumento que se emplea en gran parte del Perú, llamado antara.

- La siringa

En la Grecia antigua, se conocía este instrumento con el nombre de siringa.

- El nai

En Rumania, existe también una flauta conocida como nai, este es el instrumento que posteriormente perfeccionó el célebre solista Gheorghe Zamfir.

- El páixiāo

El páixiāo es un antiguo instrumento de viento originado en China, que aunque su interpretación fue antiguamente abandonada, ésta resurgió hacia el siglo XX.

- El siku

El siku  es una zampoña o flauta de Pan formada generalmente por dos hileras de tubos de caña de diferentes longitudes: el arca, normalmente de siete tubos, y el ira, normalmente de seis, aunque según el tipo de sicu estas cantidades pueden variar notoriamente. Es de origen preincaico.

- La antara

Es un importante instrumento musical precolombino de las culturas Paracas y Nasca, con una antigüedad de 2,500 años o más.

- Ocarina

La ocarina, es un pequeño instrumento de viento sin llaves, descendiente de primitivos silbatos hechos de barro o de hueso.En función de su zona de origen, existen instrumentos similares elaborados con cortezas vegetales.En la actualidad se fabrican en distintos materiales como cerámica (predominante), madera, metal y plástico. Morfológicamente es un objeto oval y alargado, pero también existen ocarinas redondas, tubulares y, en América, zoomorfas, antropomorfas y fantásticas.

La ocarina americana precolombina llegó a Europa con el botín de los conquistadores españoles. 

- Gaita (Colombia). Derivadas de un instrumento indígena de la región, no tiene relación con las gaitas irlandesas, asturianas o gallegas; con éstas sólo comparte el nombre.

La gaita es un instrumento musical aerófono de la Costa Caribe colombiana de ancestro indígena, utilizado en diferentes ritmos musicales englobados en la denominación "música de gaita": gaita instrumental, porro, cumbia, merengue, puya, chandé, entre otros.

Es una especie de flauta construida a partir del corazón del cardón, con una formación de cera de abejas en uno de sus extremos en donde se hace una ranura y se inserta un apéndice cilíndrico, generalmente la base de una pluma de pato, a manera de canal y boquilla, respectivamente, con orificios variables entre 3 y 6 hacia la parte baja de su cuerpo.

Se le llama gaita por la similitud de su sonido con el de las gaitas de pico de España.

Entre las gaitas indígenas se hallan:

- La gaita hembra de 5 orificios, proporciona la melodía. Tiene en su estructura cinco orificios tonales o digitales y su función está en llevar el registro de las notas o melodía. Se ejecuta normalmente por pares entre dos músicos.

- La gaita macho  tiene dos orificios digitales. La función de este instrumento se limita casi siempre a marcar el compás, aunque puede realizarse en él una melodía completa, ya que la intensidad del soplo permite modificar la altura del sonido.

Un gaitero interpreta la gaita macho con una mano y con la otra, a la vez, la maraca. Sus labios solo se separan de la gaita para cantar.

Sus más afamados ejecutantes, y quienes incluyeron la tambora en el conjunto de gaita, son los Gaiteros de San Jacinto.

- Ney (de Persia y Egipto, quizás la flauta más antigua que aún posee ejecutantes).

El ney  es una flauta prominente en la música del Oriente Medio. Es un instrumento muy antiguo, existen pinturas de personas tocando el ney en los muros de las tumbas del Antiguo Egipto.

Esto indica que el ney ha sido tocado continuamente durante 4.500-5.000 años, convirtiéndolo en uno de los más antiguos instrumentos musicales todavía en uso. Es un precursor de la flauta moderna.

El ney consiste en una pieza de rama hueca o una caña con cinco o seis agujeros frontales y un agujero para el pulgar. Los neys modernos pueden estar hechos de metal. El tono varía dependiendo de la región y la distribución de los dedos. Un músico sumamente experto con el ney puede alcanzar no menos de tres octavas, aunque sea más común tener a varias personas que toquen el ney en una orquesta tradicional para cubrir gamas diferentes.

La técnica árabe y turca son las mismas, esto implica la puesta de la boca sobre la extremidad de la flauta y la sopladura en una dirección algo oblicua al tubo de ésta. El aire salta sobre un lado interior y produce el sonido esperado. Irán incorporó otro método: ellos adoptaron el sistema de sopladura interdental a finales del 1700. El ney moderno persa tiene cambiados el sistema de los dedos y el número de nodos. También tiene una desembocadura diferente, tiene sólo 5 agujeros frontales y un agujero para el pulgar colocado más abajo que en los modelos árabes o turcos. En la sopladura interdental el músico pone el final del ney entre sus dientes y la mandíbula superior y dirige el aire con su lengua. Este método produce una textura bastante diferente a la producida por la articulación bilabial usada para el ney árabe/turco. Independientemente del método, hacen falta años (algunos dicen que toda una vida) para perfeccionar el sonido de alguien. El método iraní puede ser usado con el ney árabe o turco. Esto aumenta las diferentes posibilidades de texturas en el sonido.

El agradable sonido del ney calma el sistema nervioso, reduce el cansancio y resulta relajante. Está relacionado con profundas ideas filosóficas.

- Quena (en la cultura incaica de Perú)

La quena  es un instrumento de viento de bisel, usado de modo tradicional por los habitantes de los Andes centrales. La quena es tradicionalmente de caña o madera y tiene un total de siete agujeros, seis al frente y uno atrás, para el pulgar. En la actualidad es (junto al sicu y el charango) uno de los instrumentos típicos de los conjuntos folclóricos de música andina, encontrándose su uso también en la música de fusión, etno, música nueva era, etc.

Es de origen pre-incaico. Las evidencias más antiguas están en la cerámica mochica.

La popularidad de su uso "moderno" en conjuntos folclóricos ha opacado su uso tradicional en las comunidades originarias de los Andes, donde se toca para festividades específicas y acompañando danzas.Sin embargo, este instrumento aún es muy utilizado en las áreas rurales de Perú y Bolivia.

Las quenas son tradicionalmente fabricadas de caña, cortada en su entrenudo. Normalmente las quenas tienen un extremo abierto donde se talla la embocadura, y un extremo terminal formado por un nudo del bambú, perforado con un agujero de un diámetro menor que el resto del tubo. Algunos constructores, sin embargo, no practican esta técnica, y cortan el tubo de bambú de manera que el orificio distal sea del diámetro del resto del tubo. En principio se utilizaban cañas de bambúes verdes o secos de origen americano pero la introducción de bambúes asiáticos al continente americano hizo que se emplearan también estos nuevos materiales. Las distintas especies de bambú tienen características diferentes en lo que hace a la geometría de los entrenudos (más o menos cónicos o cilíndricos) y su textura interna, lo que da por resultado diversos tipos de quenas.

Actualmente se fabrican quenas modernas de diferentes materiales como con una afinación occidental, basándose en el tono la a 440 Hz de excelente calidad y capaces de acompañar cualquier instrumento occidental. La versatilidad de la quena es enorme, ya que es un instrumento cromático con un registro de hasta 3 octavas.

Las formas de colocar las manos varían: si bien mayoritariamente la mano derecha va abajo, se ve también tocar al revés. Asimismo, la forma de digitar más común es usando tres dedos de cada mano para los orificios frontales (3-3-1, significa tres dedos de una mano, tres dedos de otra, y el pulgar), pero se ve frecuentemente el uso de cuatro dedos de la derecha (o mano de abajo), dos de la izquierda, y el pulgar (4-2-1) En algunos casos, para el uso de esta última forma no todos los agujeros frontales están alineados, desviándose el orificio correspondiente al dedo meñique por razones de comodidad.

Se utilizan dos digitaciones básicas: directa, en la cual las notas de la escala mayor se obtienen destapando los agujeros progresivamente, de a uno,y la cruzada, en la cual algunas notas (por ejemplo el Do y Sol agudo) se obtienen con una digitación de horca u horquilla (tapando el agujero subsiguiente). La principal dificultad de digitación en una quena moderna es cuando se tapan solamente "medios agujeros" para lograr semitonos específicos. Para este propósito también existen algunas digitaciones de horquilla.

Merece una mención aparte la quena Markama, así llamada por el grupo de música andina Argentino que la diseñó y popularizó. En este caso, la digitación 4-4-1 es denominada "cromática".

- tin y low whistle (Irlanda)

La flauta TIN WHISTLE es un instrumento de viento simple de 6 agujeros. Es un tipo de flauta parecido a la flauta dulce y otros instrumentos de vientos similares. Hay varios tipos de flauta TIN WHISTLE, en diferentes tonalidades (predominan los TIN WHISTLE afinados en RE y DO) y de diferente material como metal, bambú y plástico.

El TIN WHISTLE es de lo más famosos instrumentos de viento IRLANDESES y de los más significativos en la música celta. Debido a su popularidad, hoy hay una gran cantidad de artistas que interpretan su música con este instrumento.

El whistle es un instrumento antiquísimo, muchas de las culturas primitivas tuvieron algún tipo de flauta. La flauta tin whistle en su forma moderna proviene de la gran familia de flautas que existen en muchas formas y culturas por el mundo. En Europa tales instrumentos han tenido una historia distinguida y han tomado varias formas, de las cuales las mas conocidas son la flauta dulce, el Flabiol, Txistu y otras flautas de tres agujeros.

Pero no fue hasta el siglo XIX, en Inglaterra, que se elaboró el whistle que hoy en día conocemos a manos de Clarke. Lo llamó "tin whistle" una pequeña flauta de metal o madera de 6 agujeros. En la década de los 50, fue introducida la boquilla de plástico, la forma más usual y económica de encontrar un tin whistle hoy en día. Y ya en los 70, Overton introdujo el famoso low whistle (Whistle bajo), afinado una octava más baja.

                                                                    TIN WHISTLE

                                                                     LOW   WHISTLE 

- Shakuhachi (Japón)

El shakuhachi  es una flauta japonesa que se sujeta verticalmente como una flauta dulce en lugar de como la tradicional flauta travesera. Era utilizada por los monjes de la secta Fuke Zen, seguidores del budismo zen, es su práctica ritual del Suizen (meditación mediante el soplado).

La flauta dulce se sopla a través de la boquilla, permitiendo un control limitado del tono.

El shakuhachi se toca soplando el aire como si fuera el borde del cuello de una botella, pero en su otro extremo, el shakuhachi termina en un borde afilado, que permite al intérprete un control sustancial sobre el tono.

Los cinco agujeros están afinados según una escala pentatónica, sin semitonos, aunque el intérprete puede modificar cada tono tanto como un tono o más utilizando técnicas llamadas meri y kari, para conseguir las cuales se modifica el ángulo de soplado, consiguiendo tonos más altos o más bajos, respectivamente. El shakuhachi permite un rango de dos octavas completas. Las distintas octavas se consiguen mediante sutiles variaciones en la respiración y en la embocadura.

- Suling (Indonesia/Filipinas)

En función del género regional, un suling se puede ajustar en diferentes escalas. Sulings se pueden encontrar en las siguientes regiones:

-Sonda (Java Occidental) , Indonesia

-Java (Java Central) , Indonesia

Maluku , Indonesia

- Bali , Indonesia

- Mindanao , Filipinas

- Sulu , Filipinas

Sulings están hechos principalmente de 'Tamiang' bambú un largo tubo de bambú con una superficie muy delgada. El jefe de suling, cerca de un pequeño agujero, es un círculo con una banda delgada hecha de ratán o rotan para producir la vibración del aire.

- Venu (sur de la India)

El venu es una flauta travesera de bambú usada en la música carnática del sur de la India. Es llamada también flauta carnática, siendo venu el nombre antiguo del instrumento en sánscrito. Se le llama de varias otras maneras en el sur de la India.

El instrumento, uno de los más antiguos de la India, es una flauta travesera sin claves hecha de un tubo de bambú de forma cónica, que tiene unos 90 centímetros de longitud. Los agujeros se abren y cierran usando los dedos de ambas manos. Consta del agujero de soplado y ocho agujeros para los dedos estrechamente colocados. Existe en varios tamaños.

La flauta es como la voz humana en cuanto a monofonía y las dos octavas y media que posee de tonalidad mediante la presión del aire y la posición de los dedos. La soltura de los dedos abriendo y cerrando agujeros permite un alto grado de ornamentación, importante para la representación de la música basada en la Raga.

El venu se asocia con el dios hindú Krishna, que a menudo es representado tocándolo. Esta clase de flauta principalmente es usada en el sur de India.

El homólogo del venu en el norte de la India es llamado bansuri.

- Bansuri (India)

El bansuri  es una flauta transversal alta originaria de la India, hecha de una sola pieza de bambú y que consta de seis o siete agujeros abiertos. Es un instrumento musical asociado con los ganaderos y la tradición pastoral, íntimamente ligado a la historia de amor entre Krishna y Radha, y está representado en pinturas budistas del año 100 después de Cristo. El bansuri, con 14 pulgadas  como medida típica, era usado tradicionalmente como un instrumento soprano, principalmente como acompañamiento en composiciones ligeras, incluyendo la música de películas. Su introducción en la música clásica indostaní se le atribuye a Pannalal Ghosh.

Este instrumento es una flauta traversa de bambú que surgió en el norte de la India. Está construido de bambú sin nudos, de poco espesor y muy liviano. Originalmente, el bansuri sólo tenía 6 orificios; pero en el s. XX, Pannalal Ghosh agregó al nuevo bansuri un séptimo orificio al final para agregar una nota mas y para algunos adornos en la música clásica, aunque anteriormente solo se empleaba en la folklórica.

Existen dos tipos de sistemas: el del Norte de la India y el Carnático. Para el folklore y para la música clásica, se usa el sistema del Norte de la India; en el sistema carnático, existen otros tipos con 8 orificios. El equivalente del bansuri en el sur de India es una flauta de bambú llamada venu.

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