La voz humana ha sido adaptada al mundo de la música fundamentalmente en los géneros de música escénica, coral y vocal.
La música escénica es aquella que está basada en un texto y se desarrolla a través de una puesta en escena de tipo teatral. Opera, Opereta, Opera buffa y Zarzuela son los géneros que mejor la representan.
La música coral es la que se apoya en una formación más o menos numerosa de voces mixtas y puede ser empleada para música únicamente coral o junto con la orquesta, siendo esta posibilidad considerada como música sinfónico coral. En este capítulo se incluye el Réquiem, Oratorio etc. En algunas sinfonías también es empleado el coro junto a la orquesta.
LA OPERA
La opera es una obra musical o escénica totalmente cantada que reúne, junto a la acción dramática, el canto, la danza, la música sinfónica, la escenografía y el montaje teatral.
Sus comienzos fueron alrededor de 1600 en Florencia entorno a círculos aristocráticos. Posteriormente es cultivada por las cortes principescas. Las primeras operas eran de extensión reducida y con alternancia de diálogos hablados y cantados.
La primera opera considerada como obra maestra es Orfeo de Claudio Monteverdi en 1607 con una orquesta estable la cual inicia la obra con una gran introducción (precedente directo de la obertura).
Los herederos de Monteverdi desarrollan su trabajo en Roma y Venecia. De este lugar es Cavalli, autor de 40 operas que convierte a la opera veneciana en un gran espectáculo que pronto se extendió por Europa.
En Francia, la opera tiene su propia evolución aunque basada en los principios del modelo italiano. Su mayor representante es J. B. Lully. Su aportación es la creación de la obertura francesa. Adaptado a la lengua francesa.
En Inglaterra, la opera tiene su origen en lo que se conocía como masques, espectáculo de gran interés musical. La opera inglesa con diferencia más representativa de los inicios es Dido y Eneas de H. Purcell (1689).
Alemania es el último de los países europeos en tener una opera autóctona. Los primeros escarceos se deben a Schulz con Dafnis (1627). En siglo XVIII aparece Gluck que renueva el género al poner la música al servicio de la acción dramática. Su opera más representativa es Orfeo y Eurídice o Ifigenia en Aulide.
Orfeo
Mozart aborda diferentes modalidades de opera, pero en cualquier caso su estética era contraria a la de Gluck; la música teatral es ante todo música y a ella se debe supeditar todo lo demás. Mozart fue el creador del concepto moderno de opera alemana al que la llevó a la perfección.
A finales del XVIII y principios del XIX se desarrolla una opera seria que potencia el virtuosismo vocal. Sus representantes fueron Rossini, Donizetti y Bellini en Italia. Meyerbeer en Francia. Spohr y sobre todo Weber en Alemania.
Weber
En Italia se da un fenómeno a finales del XIX conocido como verismo que estaba basado en temas procedentes del naturalismo literario. Sus principales representantes son Puccini, Leoncavalo, Giordano, Mascagni. Pero sin duda la gran figura del teatro musical italiano es Verdi con un sentido y contenido de sus operas mucho más dramático. Su música se convirtió rápidamente en una representación del sentimiento más profundo del nacionalismo Italiano.
En Alemania a finales del XIX emerge la figura de Wagner, ideólogo del concepto moderno de ópera. Wagner aspiraba al arte total, dando el mismo valor al texto, música, escenografía, decorados, danza etc. No obstante con diferencia es la música su principal aportación.
Verdi y Wagner
Características de la opera:
La obra
- El compositor, autor de la música. La música se escribe una vez conocido el texto.
- El Libretista: Argumento, guión, texto.
En la representación.
- Director de escena: Es un director teatral. Se encarga de todo lo relacionado con el movimiento de los personajes en escena y coordina los decorados, vestuario.
- Director Musical: Parte específica musical. Dirige la orquesta. Trabaja previamente con los cantantes para ponerse de acuerdo en las cuestiones musicales. Tempos, calderones, resoluciones, flexibilidad del fraseo en función del texto.
- Orquesta: Situada en el foso, debe estar muy pendiente de las indicaciones del director, habida cuenta que los cantantes suelen abordar la parte musical en función de la escena con lo que con frecuencia se saltan los códigos establecidos musicales.
- Cantantes: Es frecuente el recurso de emplear a dos personajes principales y otros dos co-principales. También aparecen personajes secundarios e incluso personajes que forman parte del coro y no cantan a solo.
Las operas se estructuran en actos. Puede ser en un único acto o varios actos. Normalmente los actos presentan secuencias temporales diferentes y /o de cambio de lugar, con lo que la división de actos está en función de las situaciones descritas anteriores en el libreto.
En la ópera se pueden distinguir las siguientes partes:
- OBERTURA: Es la parte inicial de una ópera. Es instrumental. La música comienza con el telón cerrado, que se abre en el transcurso de la obertura para que los espectadores tengan su toma de contacto con el escenario.
- RECITATIVOS: Son partes cantadas por solistas en las que se desarrolla la acción. Para que esto sea posible se debe realizar con un texto casi declamado y sin adornos.
- ARIAS: Son las partes más importantes y más vistosas de la ópera. Realizadas por solistas; ahora la acción se para y el cantante expresa sus sentimientos por medio del lucimiento de su voz.
- COROS: Son fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes.
- INTERLUDIOS: Partes instrumentales que se intercalan entre todos los fragmentos anteriores.
En la ópera participaban muchísimos personajes: los músicos de la orquesta, los cantantes del coro, extras que no cantaban,...
Dentro de cada acto se suceden lo que en el mudo de la opera se denominan escenas. El cambio de una escena a otra se suele establecer con la entrada o salida de los diferentes personajes.
Las operas suelen estar precedidas por una introducción que se denomina obertura. El término preludio es también empleado pero se refiere a la introducción de un acto concreto.
El intermezzo era una breve pieza musical que se situaba en el centro de la representación.
TIPOS DE ÓPERA
Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:
• ÓPERA SERIA: Basada en argumentos mitológicos y heroicos. Es el primer tipo de ópera que va a existir y será el preferido por la aristocracia debido a su refinamiento. A este tipo pertenece la primera ópera: "Orfeo" escrita por Monteverdi.
• ÓPERA BUFA: Es posterior a la seria. Los argumentos son cotidianos y fáciles de entender.
Se convertirá en la ópera preferida del pueblo, era bastante típico que el argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera de este tipo ,"La Serva Padrona" fue escrita por Pergolesi en 1733.
LA MÚSICA SINFÓNICO CORAL
En ocasiones la orquesta sinfónica cuenta con la presencia de un coro integrado e la misma. Son varios los géneros y formas que emplean este recurso. Entre ellas destacamos las siguientes:
- Oratorio. Tiene su principal auge en el barroco. Su temática es la religiosa y no posee acción escénica. Por extensión también son oratorios las cantatas grandes. Se desarrolla a partir de la cotrareforma. En Italia sus principales representantes son Scarlatti y Pergolessi. En el barroco sobre todo Haendel con el Mesías, Salomón o Judas Macabeo. También escriben oratorios Bach (Oratorio de navidad), Mendelshonn, Berlioz (la infancia de Cristo) etc.
- Réquiem. Composición musical que se canta con texto litúrgico de la misa de difuntos. Kirie, Sanctus, Credo, Gloria, Agnus dei. Estas mismas partes son las que se incluyen en la otro gran forma de tipo litúrgica; La Misa.
Algunos compositores han incluido en sus sinfonías a un coro que recitaba junto a la orquesta un movimiento con texto adaptado.
Los ejemplos más célebres son:
- Beethoven (Sinfonía nº 9, coral)
- Mahler (Sinfonías 2 “Resurrección”, 8 “los mil”)
- Zemlimsky (sinfonía nº 3)
Beethoven
LA ZARZUELA
Es un género que tiene su origen y desarrollo en España. Muy cercano al concepto de teatro, se diferencia de la opera fundamentalmente en el idioma en el que se canta (el español) y la proliferación de escenas habladas. En la opera posterior al XVII todo el texto es cantado. Anteriormente al XVIII se podía dar el recitativo (secciones declamadas), pero siempre en menor cuantía de las partes habladas de la zarzuela.
El nombre de zarzuela deriva del lugar donde se produjeron las primeras represtaciones, una zona de recreo de Madrid conocida como la zarzuela, por la gran abundancia de zarzas, donde el Infante Fernando y posteriormente Felipe IV pernoctaban tras las cacerías. Allí ofrecía representaciones músico-teatrales a sus huéspedes.
El primer autor conocido es Calderón de la Barca con su obra el jardín de Falerina. La música era de Juan Riaco.
La zarzuela ha evolucionado de tal manera que podemos encontrar zarzuelas de 1,2,3 actos por lo general pero hasta un 4º y 5º actos.
Después de sus inicios sufre un periodo de decadencia recuperándose notablemente sobre la mitad del siglo XIX.
La temática solía ser sobre aspectos costumbristas, siendo en frecuentes ocasiones muy localista.
Los principales autores y sus obras son las siguientes:
Tomás Bretón
La verbena de la paloma, LA dolores
R. Chapí
La bruja, La tempestad, La revoltosa.
F. Chueca
El bateo, La gran Vía
A. Barbieri
El Barberillo de lavapié
J. Serrano
La dolorosa, Alma de Dios
Nos referimos al tipo de música para uno o dos voces con acompañamiento generalmente pianístico u orquestal. Se suele ubicar dentro de la música de cámara. El protagonismo musical lo concentra la voz, que se basa en textos literarios de un nivel muy alto (Goethe, Schlegel etc.). Sobre todo es desarrollado en Alemania y el auge de este género lo encontramos en algunos compositores alemanes del siglo XIX.
Hugo Wolf, Schumann, Berlioz, Schubert, Mendelshonn, Brahms, Fauré, Ravel, Debussy, Wagner, son una buena parte de los autores que han legado bellísimas páginas de música vocal.
Berlioz
La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía, sigue teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que se dan en la música profana para crear nuevas formas.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el "policoralismo",que se dará sobre todo en la escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San Marcos (Venecia). En Roma evolucionará exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la iglesia. La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más
representativa, y la católica continúa cultivando motetes y misas. En este periodo, hay tres formas nuevas ; el oratorio, la cantata y la pasión.
EL ORATORIO
Es una especie de ópera religiosa, ya que cuenta con los mismos apartados que ésta (arias, coros, interludios, recitativos...). Tiene otras similitudes como la gran extensión y el carácter dramático; sin embargo en el oratorio encontramos características propias:
• Los textos son religiosos, normalmente extraídos de la Biblia.
• El oratorio no se escenifica. Se interpreta en un lugar de culto sagrado.
• Existe la figura de un narrador que va explicando la acción mediante el recitativo.
Los grandes compositores de este género son G.F.Haendel, cuyo oratorio más conocido es "El Mesías" y J.S.Bach, con obras como el "Oratorio de Navidad".
Haendel
CANTATA
El término cantata significa etimológicamente "música para cantar" y surge en contraposición a la sonata “música para sonar”. Es un género que nace dentro de la música vocal profana. Entre los compositores más destacados podemos nombrar a J.S.Bach y su cantata 147 “Jesús la alegría de los hombres”.
Bach
LA PASIÓN
Es un oratorio que trata exclusivamente de la pasión y la muerte de Jesucristo, inspirándose en los Evangelios. Los personajes importantes del Evangelio son interpretados por los solistas, mientras que otros personajes (discípulos, pueblo...) son interpretados por el coro. J.S.Bach, con dos obras fundamentales "La pasión según San Mateo" y "La pasión según San Juan" es el compositor más destacado del género.
A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales conocidos como la "Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo por su complejidad, perdían la esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos. Los artistas de la Camerata buscaban un género capaz de abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya que va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía, música, teatro, danza, pintura ..
Camerata Fiorentina
LOS CASTRATI
El siglo XVIII fue la era del cantante castrato y el tiempo en el que desarrolló su mayor actividad. Durante varios siglos se recurrió a la castración masculina para que el cantante pudiera conservar la voz clara y aguda (blanca) en su edad adulta.
Esta práctica tiene su origen en la Edad Media, debido a que a las mujeres les estaba prohibido cantar en la
iglesias. En el siglo XVI el papa Pablo IV prohibió las voces femeninas en la catedral de San Pedro y con ello comenzó la hegemonía de los castrati.
Algunas características de estos cantantes, en el periodo barroco, son las siguientes:
• No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que cantaban óperas y todo tipo de música profana.
• Los castrati ganaban sumas fabulosas. Eran muy famosos y su sueldo hoy lo podríamos equiparar con lo que cobra un famoso, por ejemplo un futbolista de élite.
• Trabajaban mucho la técnica de la respiración, por lo que algunos podían aguantar hasta un minuto manteniendo una misma nota y sin respirar.
• Era frecuente que la gente, al oírlos rompiera a llorar o se desmayara de la emoción.
• El más famoso de todos fue Farinelli, que trabajó en la corte del rey español Felipe V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches, durante 10 años, las mismas cuatro canciones.
Farinelli
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