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Clase magistral del pianista chino Lang Lang

Tom Waits - "Hold On"

Tom Waits

Thomas Alan Waits más conocido como Tom Waits, es un músico, cantante, compositor y actor estadounidense, famoso por sus canciones de tono áspero, inspiradas en escritores como Charles Bukowski y algunos de la generación beat, en especial Jack Kerouac. Waits tiene una voz distintiva, descrita por el crítico musical Daniel Durchholz como «si hubiese sido sumergida en un depósito de bourbon, ahumada durante unos meses, y luego llevada afuera y aplastada por un coche». Con su rugido vocal como marca, y la incorporación a sus canciones de música industrial y de estilos musicales previos a la era del rock, tales como el blues, el jazz y el vodevil, Waits ha conseguido construir un personaje musical singular. También ha trabajado como compositor de bandas sonoras y como actor en películas, tales como Bajo el peso de la ley y Drácula, y fue nominado al Óscar por la banda sonora de One from the Heart.

Líricamente, las canciones de Waits presentan complejos retratos de lugares y personajes muy variados, aunque también muestra cierta inclinación por baladas más convencionales. Dada su poca repercusión mediática en televisión y radio, algunas de sus canciones son más conocidas a través de versiones hechas por otros artistas: tal es el caso de «Jersey Girl», interpretada por Bruce Springsteen, «Ol' '55», por The Eagles, y «Downtown Train», por Rod Stewart, entre otros. En 2011, Waits ingresó como miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll de manos de su compañero Neil Young.

Waits vive actualmente en Sonoma, California, con su esposa, Kathleen Brennan, y tiene tres hijos, Kellesimone, Casey y Sullivan.

Thomas Alan Waits nació el 7 de diciembre de 1949 en la localidad californiana de Pomona (Estados Unidos) en el seno de una familia con ascendencia noruega, irlandesa y escocesa.

Sus padres, ambos maestros de escuela, eran Jessee Frank Waits y Alma Johnson McMurray. Cuando tenía diez años sus padres se divorciaron, yéndose él a residir con su madre y sus dos hermanas a National City, en San Diego.

Desde su adolescencia se aficionó al jazz y al blues, apreciando también la capacidad lírica de Bob Dylan, uno de sus ídolos.

Tom, al mismo tiempo que estudiaba, trabajaba a mediados de los años 60 en la pizzería Napoleone Pizza House de National City. De su estancia allí, lugar en donde escuchó mucha música en el jukebox del local durante cinco años, dio buena cuenta en algunas posteriores grabaciones, entre ellas “The Ghost Of Saturday Night”.

En esa época, cuando tenía 15 años, formó parte de su primera banda, The Systems, un combo que interpretaba temas soul y R&B.

A finales de la década de los 60 comienza a leer a los escritores de la Generación Beat, como Burroughs o Kerouac, quienes influenciaron de manera notable sus composiciones, interpretadas en directo por primera vez a finales de 1970 con el nombre de Thomas Waits.

En junio del siguiente año Waits fue descubierto por Herb Cohen en el club angelino Troubadour. Cohen, mánager de Frank Zappa, se convirtió en el representante de Tom, quien se trasladó definitivamente desde San Diego a Los Angeles, ciudad en la que residió en principio y durante breve tiempo en su propio coche.

Grabó unas primeras demos para Cohen que fueron publicadas posteriormente en el recopilatorio “The Early Years”.

En el año 1973 fue contratado por el sello de David Geffen, Asylum, para grabar su primer Lp, “Closing Time” (1973), melancólico álbum debut producido por Jerry Yester, ex miembro de Lovin’ Spoonful y productor de Association o Tim Buckley, que singulariza su pasión por el jazz y el blues en temas como “Martha”, “Ol’ 55” o “I Hope That I Don’t Fall In Love With You”.

“Martha” fue versionada por Tim Buckley o Meat Loaf, mientras que “Ol’ 55” conoció adaptaciones de los Eagles o los Smashing Pumpkins, y “I Hope That I Don’t Fall In Love With You” conoció revisitaciones de Bon Jovi o 10.000 Maniacs.

Waits, cuando no actuaba en solitario con su piano, su guitarra y su singular voz, era acompañado en directo por esa época por el bajista Bob Webb, el guitarrista John Forsha y el trompetista Rich Phelps.

Su segundo álbum fue “The Heart Of Saturday Nights” (1974), el primer disco producido por Bones Howe, personaje que había colaborado con Association, Fifth Dimension y los Turtles.

El disco, incidiendo en su perspectiva poética beatnik, gradación taciturna y sonidos lo-fi de cimiento jazz, estaba arreglado por Mike Melvoin y contenía cortes como el single “San Diego Serenade”, “Diamonds On My Winshield” o la citada “The Heart Of Saturday Nights”, canción versionada por Jonathan Richman.

En la época de “The Heart Of Saturday Nights” Tom se trasladó a vivir en el motel Tropicana.

En “Nighthawks At The Dinner” (1975), traslado el ambiente en directo de club al estudio, creó un doble álbum jazz en vivo con sabor a alcohol y olor a nicotina y canciones como “Warm Beer And Cool Women”, “Nighthawk Postcards” o “Eggs And Sausage”.

También escribió varios cortes junto a otro personaje afín a la lírica beatnik, Chuck Weiss.

En la actuación, grabada ante un puñado de amigos, también aparecía una stripper llamada Dwana y un grupo de músicos de acompañamiento, como Jim Hughart del bajo, Pete Christlieb del saxo, Bill Goodwyn de la batería y Melvoin a los teclados.

"Small Change” (1976) fue su cuarto álbum y uno de los mejores discos del autor californiano en Asylum Records, quien tanto supo expandir su poesía con momentos nostálgicos y macilentos como puntuar la lírica beat con sentido del humor.

“Step Right Out”, corte versionado por Violent Femmes, “The Piano Has Been Drinking” o la hermosa balada “Tom Traubert’s Blues”, tema adaptado por Rod Stewart, son algunos de los momentos cumbres de un Lp que se convirtió en el más vendido de su carrera hasta ese momento.


Para presentar el álbum en vivo Waits formó una banda de acompañamiento llamada The Nocturnal Emissions con músicos como el bajista Fitzgerald Jenkins, el saxofonista Frank Vicari y el batería Chip White.

Por esa época mantuvo relaciones con Rickie Lee Jones, cantautora que aparece en la portada de su disco “Foreing affairs” (1977), en donde establece, con bases jazz y blues, un homenaje a Jack Kerouac y Neal Cassidy con “Jack & Neal”, colaborando también con Bette Midler en la elegante balada jazz “I Never Talk To Strangers”, con Tom emulando a otro de sus iconos favoritos, Louis Armstrong.

Otros cortes destacados del disco son “Burma Shave” y “Foreign Affair”.

En el año 1978 se aprovechó su innata teatralidad como interprete y debutó como actor con la película de Sylvester Stallone “La Cocina Del Infierno” (1978), título para el que escribió el tema principal “(Meet Me In) Paradise Alley”.

“Blue Valentine” (1978) fue su siguiente álbum. Un LP, con Ricky Lee de nuevo presente, presentado con el single “Somewhere”, extraído de la banda sonora de “West Side Story”.

Sus concomitancias jazzísticas impregnadas por aromas etílicos e imaginería y narraciones de outsider de corte cinematográfico continuaban asentando su escritura, ahora trasladada con una vocalidad cada vez más rasposa que ahondaba en las emociones descritas.

“Romeo Is Bleeding”, “Christmas Card From a Hooker In Minneapolis”, “Whistlin’ Past The Graveyard”, tema que fue versionado por Screamin’ Jay Hawkins, o “Kentucky Avenue” son algunos de los mejores cortes de este álbum, el penúltimo en su etapa de Asylum y probablemente el más conseguido de este sello.

El último fue “Heartattack And Vine” (1980), disco interesante con canciones como “On The Nickel” o “Jersey Girl”, pieza grabada posteriormente por Bruce Springsteen. Esta fue la última colaboración con el productor Bones Howe.


En agosto de 1980, Waits contrajo matrimonio con la guionista Kathleen Brennan, a la que conoció en la grabación del largometraje One from the Heart. Breenan es generalmente acreditada como compositora de la mayoría de las canciones de Waits en sus álbumes más recientes, y es citada por Tom como su principal influencia en su trabajo. Tras abandonar Asylum, el sello publicó en 1981 Bounced Checks, el primer recopilatorio de su carrera musical, que incluía versiones alternativas de «Jersey Girl», de «Whistlin’ Past The Graveyard» y una versión en directo de «The Piano Has Been Drinking».


Su separación de Howe y su entrada en Island Records produjo una varianza en el sonido de Tom Waits, alejándose de las pautas tradicionales del jazz, el Tin Pan Alley y el blues, y penetrando en mundos más experimentales y complejos, empleando para su expresión artística mayor opulencia instrumental con énfasis en la percusión y menos en el clásico piano, acerando su voz para convertirla en su principal instrumento, expandiendo sus historias de perdedores urbanos con imaginería muchas veces en base al cut-up y a la experimentación aunque con la esencia de arreglos jazz y blues, lo que impregna de surreal algunas narrativas, extremando la teatralidad y la ínfula avant-gardé, añadiendo a sus influencias trazas de Captain Beefheart, Kurt Weill o Harry Partch.

Durante este periodo, Waits participó como actor secundario en varias películas, realizando un cameo como pianista ebrio en Wolfen y aportando a su banda sonora el tema «Jitterburg Boy». One from the Heart se estrenó en los teatros en 1982, con Waits interpretando el papel de trompetista, lo que supondría la primera de sus colaboraciones con Francis Ford Coppola.  En años posteriores, Waits tuvo sucesivas apariciones en películas de Coppola, como The Outsiders, La ley de la calle y The Cotton Club. Además, interpretó al señor Randfield en Drácula de Bram Stoker y contribuyó con dos canciones al documental de 1984 Streetwise.

Tras abandonar Asylum, Waits firmó un contrato con Island Records y publicó en 1983 Swordfishtrombones, un álbum que marcó un giro brusco en su estilo musical, relevando a un segundo plano instrumentos como el piano o la guitarra e inclinándose por sonidos poco comunes. Al respecto, Waits dijo: «Tus manos son como perros, yendo a los mismos sitios de siempre. Tienes que tener cuidado cuando tocar no está en tu mente, sino en los dedos; ir a sitios felices. Tienes que romper con tus hábitos o no explorarás, tocando sólo lo que es seguro y agradable. Estoy aprendiendo a romper con esos hábitos tocando instrumentos de los que desconozco todo, como el fagot o el waterphone». Swordfishtrombones también introdujo en el repertorio de Waits instrumentos como la gaita en «Town with No Cheer», la marimba en «Shore Leave», el órgano, la percusión, secciones de viento e incluso instrumentos obsoletos como un chamberlin dañado y un violinofón.

Con Swordfishtrombones, su forma de componer también sufrió un cambio radical, moviéndose de las baladas tradicionales de piano y arreglos de cuerda de los años 70 a estilos ignorados en la música pop, como el cabaret, la rumba, el tango, la música folk europea, la música country primigenia y las canciones de la era Tin Pan Alley. Waits también grabó una tema hablado, «Frank’s Wild Years», influido por los trabajos de Ken Nordine de los años 50.

Después de componerle en 1984 un tema a Marianne Faithfull, “Strange Weather”, Waits grabó otras gemas en Island, como el excelente album “Rain Dogs” (1985), con temas como “Downtown train”, “Singapore”, “Time” o “Big Black Mariah”, canción en la que toca la guitarra nada más y nada menos que Keith Richards.

“Downtown Train” se convirtió en uno de los cortes más populares de su trayectoria como cantautor, siendo versionado por Rod Stewart, Patti Smith o Everything But The Girl.

Tras colaborar con los Rolling Stones en el mediocre disco “Dirty Work” y actuar para Jim Jarmusch en “Bajo El Peso De La Ley” (1986), Tom grabó “Franks Wild Year” (1987), adaptación en disco de la obra musical que co-escribió junto a su esposa Kathleen, preludio del directo “Big Time” (1988) y de “Bone Machine (1992), un álbum en el que colaboró de nuevo Richards. También aparece Les Caypool, bajista de Primus.

Entre sus mejores temas, muchos escritos al alimón con Kahtleen, se encuentran “Jesus Gonna Be Here”, “I Don’t Wanna Grow Up”, “Who Are You” o “Earth Die Screaming”.

Tras “Bone Machine” y la colaboración con William Burroughs en “The Black Rider” (1993), Lp que adaptaba su propia opereta, Waits dejó Island Records para grabar en Anti-Epitaph interesantes discos de atmósferas cetrinas, freakies, con tonos reflexivos y nocturnales, cada vez con mayor incidencia de Brennan en su proyección, que removían de manera experimental los cánones clásicos del jazz y el blues, como “Mule Variations” (1999), “Blood Money” (2002), y “Alice” (2002), disco centrado en la figura de Alice Liddell, la musa de Lewis Carroll para su obra maestra “Alicia en el país de las maravillas”.

Después de grabar en el año 2003 para el disco de tributo a los Ramones “We’re a Happy Family” el tema “Return Of Jackie and Judy” Tom publicó un nuevo disco en estudio, “Real Gone” (2004). Su último álbum es "Bad As Me" (2011).

Waits ha rechazado rotundamente permitir el uso de sus canciones en anuncios y se ha burlado de otros artistas que lo hacen, llegando a comentar: «Si Michael Jackson quiere trabajar para Pepsi, ¿por qué no se consigue un traje y una oficina en la empresa y acaba con el problema?».

 Ha presentado varias demandas contra empresas que usaron su material sin permiso. En referencia a un anuncio que le propusieron para publicitar el automóvil Mercury Cougar, una vez declaró: «Al parecer, la mayor virtud que nuestra cultura reconoce a los artistas es salir en los anuncios, preferiblemente desnudos y teniendo sexo sobre el capó de un nuevo automóvil. Yo he rechazado muchas veces este dudoso honor».

La primera denuncia interpuesta fue en 1988 contra Frito-Lay, quien propuso a Waits usar una de sus canciones en un anuncio. Tom rechazó la oferta, y Frito-Lay contrató a un cantante para que le imitara cantando un jingle parecido a la canción «Step Right Up» del álbum Small Change, la cual fue descrita por el propio Waits como «una crítica a la publicidad». Waits ganó el juicio y fue indemnizado con 2,38 millones de dólares a su favor, convirtiéndose en uno de los primeros artistas en demandar y ganar a una compañía por contratar a un imitador sin permiso.

En 1993, Levi's usó en un anuncio la versión del tema de Waits «Heartattack and Vine» hecha por el músico Screamin' Jay Hawkins. Waits los demandó, por lo que Levi's acordó no poner más la canción y ofreció una disculpa de una página en la revista musical Billboard. 

En el año 2000, se encontró en una situación similar a la de Frito-Lay, cuando la empresa automovilística Audi le propuso usar la canción «Innocent When You Dream» del álbum Franks Wild Years para un anuncio en España. Waits rechazó la propuesta, pero el anuncio acabó usando música muy parecida a la de la canción. 

Como consecuencia, Waits tomó acciones legales, y un tribunal español reconoció que había habido una violación de los derechos morales del músico, además de una violación de los derechos de autor. La compañía, Tandem Campany Guasch, tuvo que pagar una compensación a través de su editorial española.

Otra situación similar a las anteriores tuvo lugar cuando la empresa automovilística Opel le propuso cantar para ellos en un anuncio para la zona de Escandinavia. Waits rechazó la propuesta y la empresa contrató a un cantante para que le imitara. El artista presentó una demanda contra Opel. En 2007, ganó el juicio y donó la indemnización a una organización benéfica.

Waits también tuvo un juicio no relacionado con su música. En 1997, fue arrestado fuera de la tienda Duke’s Tropicana Coffee Shop en Los Ángeles por intentar detener, junto a un amigo, a dos hombres que parecían querer robar a otros clientes. 

Los hombres eran policías vestidos de civil, por lo que Waits y su amigo fueron arrestados y acusados de perturbar la paz. Sin embargo, el jurado declaró a Waits inocente. Waits demandó a continuación al Departamento de Policía de Los Ángeles y fue indemnizado con 7 500 dólares.

Iggy Pop - The Passenger

Iggy Pop

James Newell Osterberg, Jr., más conocido por su nombre artístico, Iggy Pop, es un actor y cantante de punk rock estadounidense . Es considerado uno de los mayores innovadores en el punk rock y estilos relacionados.

Fue el cantante y líder de The Stooges, una banda pionera de fines de los 60 y principio de los 70 muy influyente en desarrollo del punk y el heavy metal. The Stooges se hizo famosa por sus actuaciones en vivo, en donde Iggy saltaba del escenario, se tiraba carne cruda y manteca de cacahuete sobre el pecho y se cortaba con botellas rotas.

Tuvo distinto grado de éxito en sus 25 años de carrera como solista. Sus temas conocidos incluyen Search & Destroy, Lust for Life, I'm Bored, The Passenger, I Wanna Be Your Dog, Candy y su versión de Louie Louie.

Nacido en Muskegon (Míchigan) y crecido en Ann Arbor, empezó en el mundo de la música como batería en varias bandas de instituto, entre ellas estaba The Iguanas, donde recibió su nombre artístico Iggy. Gran fan del blues, de vez en cuando se escapaba de la universidad y se iba a Chicago (Illinois) para aprender más del blues. Inspirado por ello, al igual que The Doors, formaron The Psychedelic Stooges y se apodó a él mismo Iggy Stooge, y después Iggy Pop. Después de dos años de ensayos, la banda hizo su debut en Ann Arbor, Míchigan.

Su debut, considerado el primer disco de The Stooges, se editó en 1968. Los dos primeros álbumes, The Stooges y Fun House, no tuvieron repercusión en las listas de ventas, aunque estos discos fueron una gran influencia en el naciente movimiento punk. Después de que los nuevos miembros se unieran a la banda, se separaron por la adicción de Iggy a la heroína.

David Bowie les produjo un álbum en Inglaterra, el famoso Raw Power («Poder crudo», literalmente), considerado uno de los primeros álbumes punk rock de la historia, un disco cargado de provocación y contenidos sexuales.

En él se encuentra su clásico Search and Destroy, posiblemente una de sus canciones más populares. El disco no estuvo exento de problemas y polémica desde su gestación: la portada fue escogida por Tony DeFries (mánager de Bowie), y la mezcla se hizo en Los Ángeles, lejos del alcance de Iggy, quien proyectaba para el álbum un sonido más crudo del que finalmente resultó.

Ello provocó una polémica que durante años marcó la historia del álbum, llegando a circular, en forma de Bootleg o Disco pirata, una versión titulada Rough power, con las mezclas de Iggy; éste vio editada en 1997, a través de Sony, una versión remezclada personalmente por él, y que representaba su visión sobre cómo debería haber sonado el disco en su día, dándole una mayor presencia a las guitarras y a la batería, en busca de un sonido más agresivo; la nueva remezcla despertó tanto adhesiones incondicionales como rechazos entre sus seguidores.

Con James Williamson como guitarrista, tuvieron problemas para buscar sección rítmica. Y tuvieron grandes problemas para encontrar los miembros, así que decidieron reunir a los Stooges. No era técnicamente una auténtica reunión, pues Dave Alexander no iba a tocar en el álbum, por sus problemas con el alcohol. Debido a ello murió en 1975. También, Ron Asheton cambió la guitarra por el bajo para dejar a Williamson su lugar. Después de la salida del álbum se añadió un miembro a la banda y Bowie siguió con su apoyo, pero los problemas tóxicos de Iggy persistieron. El último concierto de los The Stooges acabó en una pelea entre la banda y un grupo de moteros documentado en el Bootleg Metallic KO. La drogadicción de Iggy puso un paréntesis en su carrera por varios años.

En 1977, Iggy grabaría el álbum Kill city, con otro ex-Stooge, James Williamson; el disco incluiría temas inéditos que formaron parte del repertorio de los Stooges, como I got nothin, y orientaría el clásico sonido de los Stooges hacia un campo que recordaría al estilo de los Rolling stones; las letras del disco hablan de decadencia, vicio y desesperación: «Til you wind up in some bathroom, overdosed and on your knees» («Hasta que acabas en algún váter, con sobredosis y de rodillas»), diría en el tema Kill city, que da título al álbum. Este disco, a pesar de ser un trabajo de Iggy y Williamson, es a menudo considerado como un disco más de The Stooges, por contener parte del material que formaba parte de su repertorio, y gran parte de la esencia de la banda.

David Bowie e Iggy se instalaron en Berlín para desengancharse de la gran cantidad de cocaína que tomaban al día; en esos tiempos Bowie solo se mantenía de leche y cocaína. Pop firmó con RCA y Bowie ayudó a componer y producir los álbumes The Idiot y Lust for Life, que fueron considerados como dos de sus mejores trabajos por muchos de sus fans. Entre 1979 y 1982 editaría una serie de álbumes con escasa repercusión, como Party o Zombie birdhouse y un cierto sesgo pop ligeramente naif y psicodélico.

Volvió en 1983 después de tres años de pausa, en los que se desintoxicó de la heroína y se casó, con un nuevo disco en el mercado influenciado por el New Wave Blah Blah Blah.

                                                           Iggy y David Bowie 

Su siguiente disco, Instinct, supuso su celebrado regreso al rock, acompañado a la guitarra de Andy McCoy, ex guitarrista de Hanoi Rocks, con el cual emprendería una exitosa gira; en el disco se podía apreciar una cierta influencia del Hard rock que se escuchaba en aquellos años.

Pero sería con Brick by Brick, considerado por muchos de sus fans como uno de sus mejores y más completas obras, con el que Iggy tomaría el primer plano de la actualidad rockera. El disco contó con la colaboración de los miembros de Guns N' Roses Slash y Duff McKagan, que aparecerían en el vídeoclip de Home, una canción que se convertiría en uno de los grandes éxitos de Iggy junto con el Hit Candy, un medio tiempo melódico cargado de dramatismo, que se convertiría en uno de sus mayores éxitos; en el, Iggy cantaría a dúo con la vocalista de B-52's, Kate Pierson. Main street eyes, I Won't crap out o The undefeated son otros temas recordados de este álbum, que supondría un acercamiento al Rock americano más clásico, y una profundización a nivel lírico y compositivo de un Iggy más maduro y reflexivo, emulando a los cronistas sociales del Rock Americano como John Hiatt, músico del del cual se incluiría una composición, el tema Something Wild.

American Caesar (1993), seguiría la línea marcada por Brick by brick, combinando potentes temas de Rock and roll, como Wild America, uno de los éxitos del disco, que contaría con la colaboración de Henry Rollins, Beside you, un medio tiempo que contaría con un vídeo musical muy publicitado en la MTV, y una versión que Iggy llevaba años interpretando en directo, pero que jamás había grabado; el hit de los '50 Louie Louie.

Naughty little doggie, su disco de 1996, retomaría una línea rockera más básica, apartándose de la madurez y eclecticismo de sus dos anteriores discos. Durante los años de Instinct, Brick by brick y American Caesar, Iggy viviría una de las épocas de mayor éxito comercial de su carrera, en parte gracias al auge del rock que se vivió a finales de los 80, con bandas como Guns N' Roses, y posteriormente con la llegada del Grunge.

En 1997 remezcló Raw Power para darle un sonido más duro, llevado en parte por las quejas de los fans por la poca consistencia de la remezclas de Bowie. Coprodujo en 1999 Avenue B con Don Was, y Beat 'Em Up en 2001, un trabajo que se acercaba ligeramente al Nu-Metal, anque con un enfoque más crudo, en algunos de sus arreglos, apártandose de los clásicos patrones en los que se venía moviendo su sonido. En su trabajo de 2003, Skull Ring colabora con Sum 41 y Green Day, y con los hermanos Asheton, en lo que en la práctica supuso la reunión de los Stooges, que interpretaron varias canciones del disco, como Little electric chair; ello llevó a la organización de una gira como The Stooges, y a consolidar la reunificación de la mítica banda.

Tras varios años de gira, en los que el grupo interpretó fundamentalmente material de sus dos primeros discos The Stooges y Funhouse, además de los temas grabados para Skull Ring, obviando de esta manera Raw Power, por considerarlo más un disco de Iggy que un trabajo de la «auténtica» formación de The Stooges, el grupo edita en 2007 The Weirdness, el primer trabajo que firman The Stooges desde 1973, año de la edición de Raw Power.

En 2009, Iggy Pop grabó "We're All Gonna Die", una canción para Slash, el álbum en solitario de su amigo Slash que salió en marzo de 2010.

Iggy participó en un homenaje a Madonna el 11 de marzo de 2008, con motivo de la inclusión de ésta en el Museo del Rock. Iggy interpretó a su manera dos éxitos de ella (Burning Up y Ray of Light), y terminó gritándole un juego de palabras sobre Like a Virgin.

Iggy ha actuado en contadas películas tanto como actor, como autor de bandas sonoras. Hasta la fecha, ha hecho 15 películas, entre ellas Cry Baby, Sid and Nancy, El color del dinero, The Crow 2, Hardware, Rugrats, la Película, Snow Day, Coffee and Cigarettes, Dead Man y en Persépolis como el tío Anouche. Así mismo, protagonizó una película española, dirigida por Oscar Aibar, llamada Atolladero. Ha salido en cinco series de TV, Miami Vice, Historias de la Cripta, Las Aventuras de Pete y Pete, y Star Trek: Deep Space Nine.

Aunque Iggy no tenga que ver con la película, un andrógino personaje encarnado por Ewan McGregor en Velvet Goldmine está modelado a su imagen. Con el mismo actor, en Trainspotting es el ídolo del protagonista y aparece en la Banda Sonora. Su música también aparece en Cocodrilo Dundee, así como puso voz a la música de Goran Bregović en la BSO de Arizona Dream.

En el mundo del entretenimiento, Iggy Pop hace de DJ en la emisora ficticia de rock 'Liberty Rock Radio' en el videojuego Grand Theft Auto IV.

Elio y Elito Revé Y Su Charangón

Elio Revé y su charangón

Fundada en el año 1956 por el maestro Elio Revé Matos, figura relevante de la música cubana, la orquesta Elio Revé y su Charangón es desde hace muchos años, una de las agrupaciones musicales de mayor prestigio en Cuba y en otras partes del mundo.

Su creador, nacido en Guantánamo, provincia oriental de Cuba, el 23 de junio de 1930 y fiel exponente de los mejores valores de la música cubana, fue catalogado como "Padre del Changüí" por los aportes que hizo a este ritmo, además de ser uno de sus más grandes defensores.

Dentro de la carrera de Elio Revé Matos se destaca el hecho de ser el primero en utilizar el timbal de cinco llaves en el formato de Charanga también introdujo los trombones en sus arreglos y por último, llevó a su orquesta los tambores Batá pertenecientes a la religión Yoruba. Lo anterior sumado a su carismática simpatía, a esa voz ronca e inconfundible que le acompañó siempre al cantar, unido a su rigor profesional como percusionista y a su talento innato y cultivado, le valieron para alcanzar la popularidad en muy breve tiempo.

Maestro de maestros pues en su orquesta se formaron figuras de la talla de Chucho Valdés, Juan Formell, Yumurí, Carlos Alfonso y hasta su propio hijo Elito, por solo citar algunos ejemplos, Elio Revé Matos logró convencer en cada actuación. La vida y obra de este importante músico y compositor siguen siendo de gran trascendencia en la historia musical cubana.

Tras fallecimiento de Elio Revé en el año 1997, su hijo Elio Revé Jr. graduado de nivel superior de música, quien además de haber sido preparado por su padre, ya formaba parte de la orquesta como pianista y arreglista, asume el reto de continuar la obra de Revé y para ello asume la dirección de la orquesta logrando mantener además de la popularidad, la sonoridad y el sello que durante tantos años habían acompañado a esta agrupación.

Elio Revé Jr. y su Charangón con rigor y gran sentido estético y musical alcanzaron desde entonces los primeros lugares del Hit Parade nacional de la radio y la televisión cubanas, se han presentado en escenarios de Francia, Holanda, Estados Unidos, España, Bélgica, Suiza, Italia y México donde la orquesta era conocida y donde lograron que el público les recibiera con entusiasmo gracias precisamente al hecho de haber mantenido la misma sonoridad.

En el año 2001 esta popular agrupación celebró su 45 Aniversario con un concierto que agrupó a más de 20 mil personas. En esa ocasión participaron figuras de la talla de Chucho Valdés, Juan Formell, Changuito, Mayito Rivera, Juan Carlos Alfonso y Yumurí .

Justo esa noche llena de celebraciones y momentos inolvidables Elio Revé Jr. y su Charangón estrenaron el tema "Andan diciendo" el cual recibió la aprobación del público que a partir de ese momento lo convirtió en Hit de la radio y la televisión.

En el 2002 e inicios del 2003 la popularidad de esta agrupación ha crecido, su prestigio le ha permitido además, presentarse en importantes festivales como el de Jazz de Santa Lucía donde compartieron el escenarios con figuras de la talla de de Boyz II Men, Forplay, Earth, Wind and Fire, Herbie Mann, The Michel Brecker Quartet, Kindred y Mike Philips entre otros. Es también en el 2003 que realizan una importante gira por varios países de Europa donde lograron romper las expectativas.

Elito Revé también ha logrado el respeto del público por sus importantes proyectos culturales entre los que se encuentran el Primer Festival de Changüí en Cuba y la creación del tema que sirvió para promover el primer Campeonato Mundial de Dominó.

Elito Revé y su Charangón iniciaron el año 2004 con varias presentaciones en el Festival de jazz & Blues Air Jamaica que se celebró del 22 al 25 de enero y en el que puso a prueba la vitalidad y vigencia de la música popular cubana ante figuras de la talla de la India, Arie, Michael McDonald, Nancy Wilson, Beres Hammond, Cassandra Wilson, Bobby Womack, Monty Alexander y Kenny Rogers, luego, regresó a La Habana con la idea de renovar a varios de sus cantantes e incorporar con ello, un nuevo timbre en la sonoridad de su Charangón, algo que logró de inmediato y que le permitió en este mismo año grabar su disco " Se sigue comentando" para el sello Bis Music.

En esta producción aparece un Charangón renovado, sin perder las raíces ni la sonoridad, temas novedosos, orquestados con buen gusto y sin dejar de pensar en el bailador, conforman este disco que como detalle exclusivo contiene, por vez primera en la historia discográfica del Charangón, una balada que de inmediato acapara las listas del hit parade de la radio y la televisión cubanas.

En el 2005 Elito Revé celebró el 75 aniversario del nacimiento de su padre con varios homenajes y concursos en la radio y la televisión cubanas, también grabó un nuevo disco con la firma italiana Avanti Records el disco "Con la mano en la masa", tema que le ratificó la popularidad en el país. Es también en este año que realiza presentaciones en varios escenarios de Europa logrando romper las expectativas del público y la prensa especializada.

Continuadores de una obra musicalmente importante, capaces de convocar a más de 25 mil personas en varias plazas del país, unido a grabaciones de importantes discos compactos y presentaciones en prestigiosos escenarios nacionales e internacionales, Elito Revé Jr. y Charangón van conformando una nueva etapa en la historia de esta orquesta dando muestras de profesionalidad y logrando mantener siempre la expectativa de un público conocedor de la buena música cubana.

If you leave me now - Chicago

Chicago (banda)

Chicago es, junto con Blood, Sweat & Tears (BS&T), la banda más representativa, y la más exitosa en términos comerciales, de lo que se dieron en llamar Big Bands de Rock. Se fundó en la ciudad de su mismo nombre, en 1967, aunque inicialmente se denominó "Chicago Transit Authority", nombre que debieron recortar por problemas jurídicos con la autoridad de transporte público de la ciudad. El grupo permanece activo en la actualidad.

La banda estuvo integrada, inicialmente, por Lee Loughnane (trompeta), James Pankow (trombón), Walter Parazaider (saxos, flauta), Robert Lamm (voz, piano, órgano), Terry Kath (guitarra, voz), Peter Cetera (bajo, voz) y Danny Seraphine (batería, percusión). Al contrario que BS&T, Chicago mantuvo esta formación bastante estable, a lo largo de su historia. El grupo se formó en el invierno de 1967, a partir del núcleo de la banda de Kath, Parazaider y Seraphine, que se llamaba "The Missing Links", durante una jam session en la Universidad DePaul, cuando se les unieron en el escenario Pankow y Loughnane. El nuevo grupo se llamó "The Big Thing", y se completó poco después con Cetera y Lam. Fue éste quien embarcó a la banda en una gira a Los Ángeles, donde, ya bajo el nombre de Chicago Transit Authority, cosecharon un inesperado éxito.
Ese mismo año, el productor James William Guercio, decidió tutelarlos y, por ello, renunció a producir el primer disco de BS&T, tal como le había pedido Al Kooper. Sí produjo, sin embargo, el segundo, aunque sólo después de que CBS le hubiese dado luz verde a la grabación del primer álbum de "sus chicos".

                                                               Lee Loughnane

                                                                 James Pankow

                                                               Walter Parazaider

                                                               Robert Lamm

                                                                    Terry Kath

                                                                   Peter Cetera

                                                             Danny Seraphine

Los bronces diferenciaron a la banda de sus contemporáneas en los años 60, a pesar de que grupos como Blood, Sweat and Tears produjeron un sonido parecido.

Entre 1967 y 1968 Guerico se dedicó a darle una reputación a la banda, particularmente en el área de Los Ángeles donde tocaron en clubes de moda. Así, 1969 empezó con un contrato con Columbia Records, gracias a que Guerico había sido productor de Blood, Sweat and Tears y los Buckinghams.

Ese año lanzaron su primer disco que llevó el nombre de la agrupación. En él se encuentran influencias del jazz. Si bien es cierto nunca llegó a la cima de los LP más populares, estuvo en lista por 171 semanas, además de producir los sencillos "Does Anybody Really Know What Time It Is?" y "Beginnings".

En 1970 la banda acorta su nombre a Chicago y sacan un segundo disco llamado Chicago II. De ahí en adelante, aunque con tres excepciones, los discos de la banda siempre llevarían el nombre del grupo y el número de producción. Además, cada portada de disco incluye una variación del logo, probablemente uno de los más constantes en la historia del rock.

Promediando los 70 el grupo se empezó a alejar del jazz y se acercó a un pop suave representado en "Colour My World", "If You Leave Me Now" (número 1) y "Hard To Say I'm Sorry" (número 1). En esa misma época cinco discos de la banda fueron número uno. A finales de la década las ventas bajaron y hubo que esperar a inicios de los 80 para ver cómo se recobraba la popularidad en las tiendas.

En 1974 se unió al grupo el percusionista brasilero Laudir de Oliveira y al año siguiente hicieron una gira en conjunto con los Beach Boys, también manejados por Guerico.

En 1977, después de que Chicago X fuera declarado el mejor álbum en los Grammy, Guerico y la banda decidieron tomar caminos separados. 

A inicios de 1978 fallece Kath debido a un disparo accidental de un arma. Se suma entonces Donnie Dacus en la guitarra, que un año más tarde sería sustituido por Cris Pennick, que en 1981 también tendría un remplazo en Bill Champlin.

En 1981 Columbia Records dejó a la banda por lo que firmaron con Full Moon Records de Warner Brothers. Es el mismo año en que Peter Cetera lanza su primer disco en solitario, que allanó el camino para su salida de la banda en 1985. Su lugar fue ocupado por Jason Scheff, hijo del bajista de Elvis Presley .

                                                                  Jason Scheff

Tres años después, Chicago cambia de casa disquera y llega a Reprise Records acompañado de éxitos y ventas impresionantes durante la década. En los años noventa la popularidad de la banda entró en baja, aunque siguieron llenando los lugares en los que se presentaron.

Para 1995 vino un experimento interesante que fue la grabación de un disco al estilo "big band", los resultados fueron mixtos en todas partes: Las ventas no fueron lo altas que se esperaba y la crítica quedó dividida.

En todo este período, Chicago sigue sacando discos con regularidad y realizando giras por EE. UU.. Los discos de estudio continúan desarrollando un estilo soft-rock, y no logran grandes ventas. No es el caso de los recopilatorios, que se siguen editando cada cierto tiempo, y que logran mejores resultados comerciales.

El grupo sigue en activo en 2012, tras sus dos últimos discos de estudio, Chicago XXXII- Stone of Sisyphus, publicado en 2008, y Chicago XXXIII: O Christmas Three, producido por Phil Ramone, que se editó en octubre de 2011.  En 2009, Lou Pardini sustituyó a Bill Champlin en los teclados.